永安胜利希望小学吉它校本课程

永安胜利希望小学吉它校本课程第1页共49页吉他初级入门《校本课程》序言吉他是一种历史悠久、音色优美的弹拨乐器。它起源于阿拉伯，其后传入西班牙、意大利，到16世纪便流行于整个欧洲。

17、18世纪以来，吉他成为许多著名作曲家喜爱的独奏乐器。"歌曲之王"舒伯特(1797－1828)十分喜爱弹奏吉他，他所写的歌曲，如著名的《小夜曲》以及整本《美丽的磨坊女》声乐套曲集的伴奏中，到处可见吉他伴奏风格的痕迹，意大利的帕格尼尼(1782－1840)，不但是19世纪小提琴的鬼才，而且也是个吉他能手；法国的柏辽兹早年曾随吉他名师多兰学习，但他很快就青出于蓝而胜于蓝，胜于其师之上。这些都是早已闻名的乐坛佳话。

虽然这种乐器缺乏音量，长时期以来总被排斥在管弦乐队之外，但它那美妙的音响总使作曲家难以忘怀。莫扎特在歌剧中，常用弦乐拨奏的形式来仿效吉他优美的音色。歌剧《费加罗的婚礼》中凯鲁比诺的咏叹调便是其中的一例。而罗西尼在歌剧《塞维利亚的理发师》中，为了真实地描写伯爵在夜深人静中来到罗西娜窗前演唱小夜曲的情景，就直接使用了吉他伴奏。

吉他优美动人的声音的确是难以言喻的，而吉他本身也充满了诱人的魅力。在舒伯特的歌曲集中，就有一首赞美吉他的歌曲，词中唱道：

“琴啊!你静静地悬挂。柔和的风把弦吹拂，蜂儿在你身边轻轻抚摸，我的心仍然奇怪地跃动。为什么总把丝带结上?像一声长叹绕着琴弦回转。那美妙的声音，是苦恼的余韵，还是新曲的前奏?”

在今天，吉他音乐并未因它缺乏音量的缺点而逐渐衰落。相反，吉他越来越为群众所喜爱，世界各国演奏吉他的名家和爱好者，人数之多实难以计数。

吉他传入我国已有近百年历史。长期以来，由于受到各种错误观念的干扰，其发展十分缓慢，直至1982年它才被正名，并且开始得到正常的发展。1984年上海成立了全国第一个吉他艺术团体——上海吉他协会，1988年，上海音乐出版社创办了全国第一本吉他艺术专业丛刊——《吉他之友》。之后，又于1989年10月，成立了以“团结、友谊、交流、提高”为宗旨的《吉他之友》联谊会，该会的人数目前超过万人!接着，全国许多省市也纷纷成立了各种各样的吉他协会、学会、研究会、训练班和学校。国际间的艺术交流也越来越多。通过大家的共同努力，吉他艺术蓬勃发展，涌现出了一批批吉他艺术的演奏、教学人才。随着吉他艺术的普及，我国的吉他爱好者队伍异军突起。就以吉他的年销售量来看，1982年前是微不足道的，而到了1983年至1984年已突破了20万把大关，至1986年又激增到84．5万把，1987年则达到了86万余把。仅以上这些数字，我国吉他爱好者的人数就可见一斑。编者：王曙红基本信息活动类别兴趣类活动名称小学生吉他初级入门开设年级、时间三年级2014-2015学年指导教师王曙红活动要素活动目标了解吉他的特点。在老师的课程安排下，循序渐进，掌握演奏基础。3、在演奏的过程中提高音乐感受力与表现力。活动内容了解吉它构造、特点。了解吉它与五线谱的对应关系。学习调弦、上弦、基本演奏姿势；两手的指法、掌握基本动作和要领。空弦练习、单音练习、二声部练习、琶音练习、综合练习。弹奏乐曲《欢乐颂》、《爱的罗曼丝》（简版）。合奏乐曲《红河谷》、《多年以前》活动实施教学策略教师讲授、示范，在课堂上指导学生练习，及时发现问题及时解决，力争使学生在课内掌握演奏内容，家里有琴的学生可以进一步巩固、提高，没琴的学生也能系统地跟下来。学习方式读谱视奏、背奏、独奏、合奏活动评价考勤、考评、学分及综合评定等级成绩分为4等：优、良、合格、不及格；考勤10分、爱护乐器10分、学习态度30分、乐曲演奏50分。85分以上为优、75—84为良、60—74为合格、60分以下不及格。保障活动所需条件学生要会看五线谱，20人。教室已备有乐器，琴弦属于“耗材”，须定期申请购买。学校审批意见附：采用小班制教学，人数不宜超过15人，老师对每位学生可给与更多地关注、辅导；在试奏中，人多则声杂，学生不能清晰地听到自己乐器的声音，为实现“有效教学”需合理安排人数，欢迎有民谣吉他基础的学生加入学习。目录第一课了解古典吉他音乐术6第二课如何给吉他调音、坐姿、琴9第三课琴弦的奏22第四课

左右手的基本训练33第五课认识音乐的四个要素（一）34第六课认识音乐的四个要素（二）37第七课弹吉他怎样看简谱42第八课弹奏音阶及《欢乐颂》43第九课左右手技巧的跟进44第十课《生日快乐》...48第十一课《多年以前》49第十二课《红河谷》50第十三课连音、滑音和装饰音51第十四课吉他音乐欣赏54第十五课泛音、揉弦的演奏59第十六课吉他演奏家介绍62第一课了解古典吉他音乐艺术一、关于吉他吉他是一种弹拨乐器，但决不是一般弹拨乐器。在文艺复兴时期，吉他已风靡整个欧洲，其外形和演奏曲目，经过多少作曲家和演奏家的努力，相对固定下来，此后的几个世界吉他在乐坛上的地位忽高忽低，但在民间的影响力，与日俱增，成为不同时代、不同国度、不同种族的人们最喜爱的乐器之一。吉他具有优美的音色和丰富的表现力，成为歌剧、交响乐、室内乐、音乐剧、影视音乐、流行音乐及乡村音乐等艺术门类中不可缺少的一种乐器。在二十世纪的二十年代左右，吉他和钢琴、小提琴同时传入我国，目前这些乐器分别称为世界上的三大乐器，但是音乐是没有国界的，它是全人类的精神财富，二十年代吉他大师塞戈维亚到亚洲旅行演奏曾经在中国的上海、大连停留过，想将吉他音乐介绍给世界上人口最多的中国，但是由于中国的政治动荡不平，主事者并不热衷，拒绝了塞戈维亚的演出要求，其后塞戈维亚到了日本之后，在日本造成了极大的轰动，而从那个时候开始古典吉他风靡这个东方国家。近二十年来，吉他已在我国青少年中广泛流传，前几年虽然从整个社会来看，古典吉他爱好者，似乎有所减少，但是不能忽视的事实是，整体水平的提高已远非当年可比，据我多年来到全国各地观摩学习和交流比赛，发现一些年龄很小的都能弹出一些音乐会作品曲目，然而使一些热爱吉他者感到困惑的是，不知道学好吉他到底对自己的前途有哪些作用。如果学习吉他只是为了教吉他，那道路只能越走越窄。比赛良好的成绩也难带来什么实惠。本来演奏得很好的古典吉他手，不得已改行经商或者从事其它行业。这必将影响古典吉他演奏水平的进一步提高。但是，不容置疑，古典美是别有一番意境的，它之所以能够经得起时间的检验而经久不衰，本身就证明了其价值，因为这里存在着一种隽永、酣畅、沉稳的美，尤如一坛陈年老酒，酿存越久远，就越醇香。人类的有些感觉是很奇特的，百日里面对整个噪杂的充满现代感的城市，应付节奏日益紧快的工作和各种竞争，人们只剩下一付劳顿疲惫的身躯，很难找到好的心绪，只有当夜深人静时，才能逐渐调整好自己的心境，前提是你不再继续将自己投入那充分显示现代文明高科技的文化气氛中去，诸如高分贝的烦燥音或竭力通过放大器扩大自己歌喉音量的吵杂音中。只有在此刻，你才能舒缓正常的脉搏，平静地操琴练曲，或者静听古典音乐，去体味许多确实在很遥远的年代里那些最杰出的作曲家创作的乐曲，在这些乐曲中你能感受到一种浓郁芬芳的升华，与密集的沉淀，这是不同时代音乐的差异，并以此证明它们存在的意味深长。“吉他真是一个小小的管弦乐团。”───贝多芬（1770－1827）“吉他是件美妙的乐器，可是真正了解它的人却并不多。”──-舒伯特（1797－1828）“我喜爱吉他和它的和声，它是我旅途中永恒的伴侣。”──-帕格尼尼（1782－1840）“没有什么比一把吉他更美了，除非两件其他乐器合起来才能比得上。”───肖邦（1810-1849）“吉他拥有最完全的和最丰富的和声与复调可能性。”法雅（1876-1946）。把所有对吉他的评价一一列举出来，就可以写成一本书。可以毫不夸张地说，正是有了这些优点才注定了吉他在二十世纪的辉煌与繁荣。我们根本不必一一介绍在全世界的音乐生活中，民谣吉他、摇滚电吉他以及弗拉门哥吉他是如何的兴盛，每一个生活在现代社会中的人都能列举出无数证据。仅就吉他中的“美声唱法”──古典吉他而言，它在二十世纪取得的普及与发展就足以让人惊叹：古典吉他成为了世界上最为重要的音乐会乐器之一，被誉为“乐器王子”，与钢琴、提琴一起并称为“世界三大乐器”；古典吉他音乐会、古典吉他比赛和吉他音乐节在世界各地频繁举行；古典吉他的作品、音乐制品、书籍琳琅满目；吉他制作也不再局限于西班牙等传统产地，而在世界各大洲蓬勃发展；全世界各大音乐院校都设立了古典吉他系或古典吉他专业……吉他在中国的命运富于传奇色彩。在文化大革命中被斥为“流氓乐器”的吉他，在改革开放后迅速风靡全国，形成了蔚为壮观的吉他热潮。那股盛极一时的“吉他热”不仅再次证明了吉他的魅力，而且有力地证明了在压抑下人们对精神生活只会更加渴望，音乐艺术在人类的心灵深处有着任何禁锢都无法摧毁的力量。二、吉他琴弦的基本常识

好的吉他琴弦应该具有好的音质、定弦快、音高稳定、良好的可演奏性（手指有安全感，琴弦反应敏锐）以及长的寿命（如果你一天弹琴2小时，那么琴弦应该大约可使用3个月)第二课如何给吉他调音在这一课里，我将会解释如何来给吉他调音。我将会来讨论三种方法，第一种方法是在大多数初级启蒙教材里所教到的普通方法，第二种方法是更加精确的但是涉及到对乐器的更多的了解。第三种方法是在第二种方法的基础上变化而来的，要用到泛音而不是普通的调性。泛音是更加容易来听觉的因为它们属于"纯净"的音质，然而，它们需要更多的在吉他上产生的技巧。

每一根吉他的琴弦被调到一个特殊的调性上或者说声音的某个频率上。抛开一些不变的常量比如说像弦径，乐器的温度等等，每根弦的定调取决于弦的张力，这是由乐器上的支持震动和弦的震动部分长度的两点来产生的。弦扭控制着弦的张力-通过上紧弦的张力，那么音调升高产生了一个更"高"的音符。通过放松弦的张力，那么音调下降产生了一个更"低"的音符。弦的长度通过使用左手的压弦来调整直到它和一个音品有了紧密地接触。

不管你使用什么方法来给乐器调音，对你来说理解"拍子"是什么意思是重要的。我并不是在讲由打击乐器产生的节拍。我指的是两个有微小区别的音符在被同时演奏时发生的现象。实际上这个现象的物理性质是非常复杂的，但是使听觉效果具有可坚定性以便来知道什么时候这两个音符走调了。一个"拍子"在音量方面是很明显的波动的，它有一个颤动的音.如果两个相同的音符一起被演奏出来，很难说那不是只有一个音符在被演奏。如果两个音符中的一个被轻微的升高了或者是降低了，那么"拍子"就会显现了。两个音符的差别越大，拍子就越快。相反的，如果一个走调的音被调到接近参考音，那么"拍子"就会慢下来最后消失了，那么这个音符就是被调好了。我们调弦的过程就是要把每条弦的音先调到参考音之下，使"拍子"出现，然后调高该弦使"拍子"渐慢并最终消失的过程。

吉他空弦的音高

吉他的弦序为1到6，1弦是最细的而6弦是最粗的。标准的调音，每根弦都被调到一个特定的调。下边所列的定义了每个弦和它与钢琴相对的正确的调：弦号

音高

阿在钢琴键盘上的位置

①

e

中音“C”右第一个“E”键

②

B

中音“C”左第一个“B”键

③

G

中音“C”左第一个“G”键

④

D

中音“C”左第一个“D”键

⑤

A1

中音“C”左第二个“A”键

⑥

E1

中音“C”左第二个“E”键

在吉他上产生一个音

在你能够开始调整乐器之前，你必须能够在吉他的每根弦上产生正确的音符。假设你现在就抱着自己心爱的吉他，让我们以演奏姿势开始讲解。你的指甲必须是被正确修整而且你已经知道如何来正确的移动双手的手指。在这里你不使用到左手所以保持它的放松不要让你的手指碰到琴弦。如果你愿意，你可以用左手轻轻的在琴颈和琴体交汇处持起吉他，你的右手放在琴弦的上方靠近音孔的地方，你的手指离开琴弦大概有1/8到1/4英寸（注：1英寸合25.4毫米）的距离。我们会使用食指i来弹出一个音（在这里我用符号来称呼所有的手指）。

扩展

通过保持右手的静止，伸直i指向琴弦运动来开始击弦的运动。最初的运动是非常微妙的，不要非常夸张地将手指完全笔直的或者非常僵硬，大多数的运动是通过手指的中间点产生的。

准备

放低i指，以至于琴弦处于指甲和I指端肉质部分之间。这个位置被称为"预备姿势"。不管别人如何来告诉你，击弦运动的这部分是一直存在的。不管你学习演奏有多好或者是你弹得有多快，唯一的区别是你花在"预备姿势"上的时间多少。否则的就会招来混乱，或者是对每次击弦产生的音失去控制或受到限制。

开始调音

为了正确的给吉他调音，应该由一个普遍接受的标准音来开始。在我们的术语中，这个标准音叫做"a440"。轻轻击打标准音叉的表面时会产生这个音。但是要小心，并不是所有的音叉都是a440的，因此在你选购的时候要注意。在继续调音前，确定你的音叉是正确的音调的。a440就是1弦（空弦音高为E）在第五把位弹奏时或者5弦（空弦音高为A1）在第五品位的自然泛音。这个泛音就是我在给我的吉他调音时使用的标准音。一边弹出5弦第5把位的泛音，一边听音叉的标准音，同时通过调整调弦旋钮来调整音高。当你开始注意到一个"拍子"的时候，通过调整调音旋钮，试着让"拍子"的影响加快或者减慢，一旦你确信听到了"拍子"，调整旋钮直到"拍子"消失。那么你已经调好了一弦，并可以继续为其它五根琴弦调音了。

重要的声明

吉他演奏时的实际音高比五线谱上的标注音高要低一个八度。在钢琴上中音"C"八度中的"a"音频率就是440Hz，这个音符在高音谱表上以下加二线的位置表示。在吉他谱中同样的音符产生了"A"220Hz的音高，比钢琴低了一个八度。吉他的5弦（A1音）的实际频率应该是110Hz，440Hz的a音低两个八度。而通过调整吉他5弦第5把位自然泛音的意义在于这样所产生的真实音调正好是音叉的"a440".另一种方法以下的方法都是假设你已经调好了5弦了。不要再调整5弦！因为现在它是你的参照音，如果它被调整了那么你将重新调整其他全部的琴弦。方法1：相继调整相邻的琴弦

第一种调音方法是简单而且容易学习的。然而，这不是调整乐器的最好方法。每一次从一根琴弦进到下一根琴弦，任何调音中轻微的错误都会传播到下一根琴弦。当你调到高音1弦(空弦音高为E)时，你甚至与无法接近正确的音高了。一旦你到在吉他上弹奏和声，那么这种方法将会被证明是不够充分的。但是对于那些很初级的学习者来说，这是适合他们的。

·按住第六弦的第五品位，演奏第六弦和第五弦空弦，调整"E"弦直到在两个音之间没有"BEATS"的存在。

·按住第五弦的第五品位，演奏第五弦和第四弦空弦，调整"D"弦直到在两个音之间没有"BEATS"的存在。

·按住第四弦的第五品位，演奏第四弦和第三弦空弦，调整"G"弦直到在两个音之间没有"BEATS"的存在。

·按住第三弦的第四品位，演奏第三弦和第二弦空弦，调整"B"弦直到在两个音之间没有"BEATS"的存在。

·按住第二弦的第五品位，演奏第二弦和第一弦空弦，调整"E"弦直到在两个音之间没有"BEATS"的存在。方法2：参考一个固定的音高来调音

这个方法比起前一个方法来说是更加精确的因为它避免了通过一直参考一个单独的琴弦来调音而累积了错误。它需要你学习如何在"A"弦的第七品位上演奏泛音（你已经在"A"弦的第五品位上演奏了你的第一个泛音来调整"A"弦）。通过轻轻触摸A弦第七品位弹出的泛音是一个"E"，这个在"A"弦上产生的"E"调的泛音将会是你的参考音，通过在每根琴弦上找到"E"音，其它琴弦将会被调到这个参照调。（是的，在每根琴弦上都有"E"）但是这种调音方法唯一的问题是有时候在每一根琴弦上很困难得到足够共鸣的"E"来使用它们调整乐器，特别是那些廉价的乐器，可能不是每个音符都有足够的共鸣。

·在"A"弦上的第七品位弹出泛音，让它共鸣。按住低音"E"弦的12品位弹奏，调整"E"弦，直到两个音符之间没有"BEATS"的存在。

·在"A"弦上的第七品位弹出泛音，让它共鸣。按住"D"弦的2品位弹奏，调整"D"弦，直到两个音符之间没有"BEATS"的存在。

·在"A"弦上的第七品位弹出泛音，让它共鸣。按住"G"弦的第九品位弹奏，调整"G"弦，直到两个音符之间没有"BEATS"的存在。

·在"A"弦上的第七品位弹出泛音，让它共鸣。按住"B"弦的第五品位弹奏，调整"B"弦，直到两个音符之间没有"BEATS"的存在。

·在"A"弦上的第七品位弹出泛音，让它共鸣。演奏高音"E"弦，调整"E"弦，直到两个音符之间没有"BEATS"的存在。方法3：参考一个固定的基准调来调整泛音

最后的一个方法是给吉他调音的最好方法。它和方法二很接近，但是全部使用泛音。使用泛音的优点是它们有更少的"混浊"的音来混乱我们的听力，这时如果两根弦未被调整好，它们是很容易被听到"BEAT"的。它们需要一些小的技巧来产生，但是这些是值得花精力去学习的。

演奏人工泛音

如果你对《音乐和声学》有一定了解，你会知道琴弦是如何在很多不同的频率或者调性同时震动的。如果你直接在琴弦的某一点让琴弦产生振动（拨，击打，移动等等），而这一点上又是泛音点，那么你会很清楚地听到泛音，其调性明显高于琴弦的基准调。当你在琴颈的任何把位按住了琴弦，你就是有效的缩短了琴弦的长度，那么相对于新的琴弦的长度来说，一个完整系列的泛音就存在了。这也产生了很多有趣的可能，不仅仅是为了调音，而且也是为了在乐器上产生声音和音乐。

为了产生泛音，你必须用右手拨弦同时用手指轻轻的接触琴弦。这样就可以让左手自由地按下任何期望的品位。选择一根琴弦来练习...就拿4弦(D)来说吧，完全伸展你右手的食指（如同你指着某样东西），把其余的三个手指卷到你的手掌里。把你的右手拇指排列为和你的食指在同一个平面里。你应该能够直接看到拇指甲的顶端和食指的外侧边缘部分。把它们都放在D弦的附近，用食指的顶端肉质部分轻轻的接触第十二品位，同时用拇指侧向的拨动D弦。一旦拇指的拨弦完成了，马上移开食指以便这个音符能够继续发音。你应该可以听到一个钟声似的声音，那就是比4弦空弦音高(D)高一个8度的泛音。然后在其他每根琴弦上重复同样的动作直到你得到了如何产生每一个泛音的感觉。同样的技巧可以被用来在每根琴弦的第五和第七品位上产生泛音。如果你试着去做，你会发现还有其他的泛音在等待你去发现。其中的一些甚至于并不是处于吉他品位所对应的位置。不管怎样，我们先离开这个话题。(注：有关自然泛音和人工泛音的演奏方法，在许多吉他教程中都有详述，可以仔细阅读)

现在按住4弦(D)的第二品位，同时通过在第十四品位触摸和弹奏来产生泛音。这样发出的音符是"E"音，恰恰是这个音符你将需要它来继续我们这一课的调音。你可以试着使用同样的技巧在任何弦上的任何品位，从第5，7，12以上得到泛音。再一次的，在琴弦上的很多其他点上有不同的泛音。

·在5弦(A)的第七品位上弹出泛音"E"，让它持续发音。在1弦(E)弦的第十二品位弹出泛音，调节1弦，直到在两个音符之间没有"BEATS"的存在。

·在5弦(A)的第七品位上弹出泛音"E"，让它持续发音。在4弦(D)的第十四品位弹出人工泛音，调节4弦，直到在两个音符之间没有"BEATS"的存在。

·在"A"弦的第七品位上弹出泛音"E",让它持续发音。在"G"弦的第九品位弹出实音，调节"G"弦，直到在两个音符之间没有"BEATS"的存在.稍后你就会调节这根G弦来发出一个"A"泛音，但是现在先不用管它。

·在"A"弦的第七品位上弹出泛音"E",让它持续发音。按住"B"弦的第五品位弹出实音，调节"B"弦，直到在两个音符之间没有"BEATS"的存在。这是唯一没有使用泛音来调音的弦。

·在"A"弦的第七品位上弹出泛音"E",让它持续发音。在"E"弦的第十二品位弹出泛音，调节"E"弦，直到在两个音符之间没有"BEATS"的存在。

·重新检查G弦，在A弦的第十二品位弹出泛音，在G弦的第十四品位处弹出人工泛音，调整G弦，直到两者没有"BEATS"的存在。

检查琴弦

最后的步骤，就是当你把一根琴弦调节到一个调性的时候，检查一下琴弦是否"已坏"。一根坏了的琴弦在琴颈上某些部分是被调好的，可是在其他部分就是走音了。这是因为一根琴弦在被调节时的不匀称伸展导致的。检查一根琴弦好坏的最快方法就是比较第十二品位的泛音和实音是否一致。因为第十二品位是正好处于弦长一半的位置，这里的泛音和实音的音高是一致的。在实际中，其实这两个音高有点轻微的区别，所以我是继续使用一根这样的琴弦的。如果你对于调性的正确性有着很苛刻的要求，那么在你最终找到那根完美的琴弦之前，你可能要检查很多的琴弦。在你决定是否要更换琴弦之前另外要考虑的事情是你自己的演奏水平。如果你只是一个初学者，大多数的时候只是在吉他的第一到第五品位进行演奏，很可能你不会受坏弦的影响太大。另一方面，如果你在演奏中要使用到琴颈的全部把位，你会觉得一根坏的琴弦是无法接受的。结论：几乎所有的振动物体都会产生与基本频率成整数倍频率的泛音。一个非常明显的事实就是这种泛音结构的不同是我们能够区别各种不同乐器声音的基础。这是一个非常重要的事实，而且对于我们后续的课程来说也是极其重要的。基本坐姿

在拿起吉他之前，我们需要来探索如何在正确的坐姿下放松。首先，来到一间安静的房间，然后坐在一张硬的平椅上，那张椅子必须是足够高的，能够把你的脚平放在地板上而能弯曲你的膝盖成90度。你的两腿应该保持和你肩膀同样的宽度。你的背应该挺直，你的肩膀应该放松并保持每一边的平衡。你的双臂应该很舒服的放在你的两边。闭上你的双眼，然后慢慢的深深的呼吸两到三次。把注意力集中在把所有你的紧张排出你的身体，并忘记一天所有的活动。这一刻是属于你的。继续在这个位置慢慢呼吸，直到你能感觉到所有的紧张已经从你的头脑，脖子，肩膀，手臂，背部和大腿中淡出了。通过用这种方式来开始你的练习，你会学会一旦你采取这种姿态你就会变的马上放松的。这种类型的深度放松对表演来说是绝对需要的。而且是最好现在就开始学习如何快速达到这种放松的情形。古典吉他演奏时需要坐在中等高度的凳子上。如钢琴琴凳，凳面要水平，倾斜不利于演奏。如用椅子，必须选择没有扶手的椅子，因为扶手会阻碍左右两臂的运动，椅子靠背对演奏吉他没有影响，演奏时必须坐在椅子前方并且坐直。长时间练习或演奏时，凳子上可以加坐垫，但不要太厚太软。演奏时应坐在凳子或椅子的前部，不应坐在椅子中后部。演奏时左腿踩脚凳，而右脚踩在地上并向右侧分开。为避免坐椅边缘阻障右腿或压迫右腿影响血液循环，所以演奏时应坐在椅子的右前方，而不是椅子的正前方。正确的演奏姿势必须同时满足稳定即平衡，与最大限度的放松即省力这两方面，以保证左右手运动技能与技巧的充份发挥。吉他学习者如果得不到正确和及时的指导，往往会由于不正确的用力和紧张，形成种种错误的姿势或习惯，如得不到及时纠正，不但不利于发展技术，久而久之，还容易导致机能障碍和种种身体疾患。甚至不得不放弃学习或演奏。持琴当你有一些额外的时间，去你那边的音乐书店看看，在那些很多的古典吉他方面的书籍翻翻看，注意看那些著名演奏家的姿势。你会注意到每个演奏家都有不同的演奏姿势我将会描述的一个对于"名义上"姿势的修正-演奏家都将它不同的发展为适合他本身的姿势。你的身体会最终找到适合你自己的最好的位置。任何其他强迫的姿势都会给演奏造成不适。或者，甚至于对你的肌腱和韧带造成永久的损坏。我会解释如何来修正"名义上的书面描述"的演奏姿势和如何来认识你正在向你的最好的演奏姿势移动。

好，让我们来学习基本的演奏姿势。

你应该处于基本的放松的位置。简单的说，我假设每个人都是用右手弹的，如果你不是，那么请用另外的那只手或腿，那也是一样的。我会来描述如何持琴的几个步骤。第一步包含了你的腿的位置和乐器在你左腿上的旋转。第二步用一个脚凳将你的腿提起。使乐器的上部向你的身体移动，它的高度更加适合你手臂正确的运动。最后的一步是修正吉他的位置以便让它被你身体的正确的四点来支撑：左边大腿的上侧，右边大腿的内侧，你胸膛的中部，你右臂的内侧位置。左手是不用来支撑乐器的。吉他被定位在当演奏时左手所需要的最佳位置。

第一步：

拿起乐器，把它放在你的左腿上，以便吉他的底下部分，就是吉他上部和下部之间凹进去的部分正好平放在你的大腿上。大概在你膝盖和大腿根部的中间。你也会注意到吉他的底部也接触到了你的右腿。你可以使用两个单独的步骤来调整吉他的支持角度：1）使用你平放在地面的右腿，向左或向右移动。用你的大腿根部来仅仅改变吉他的支持角度。2）在吉他平放在大腿上时，旋转它的角度来升高或降低它的琴颈。请一直保持将吉他平放在你的左腿上，并有右腿来接触。当你的右腿向左腿移动时，你可以升高吉他的琴颈。--仍然确信吉他和你身体的四点保持接触。不要移动你的左腿，它应该还是处于最初的放松位置。左脚尖应该笔直向前，平放在地面。通过调整以上所述的角度你为吉他可以找到一个好的开始角度直到乐器的中心线（一条假想的把吉他对分的从乐器头部到底部的线）被定位在你右腿前后部之间的中点处，接触你大腿的内侧。这会使乐器的颈部处于10点钟方向。（时针所指的10点钟方向）左右腿的位置：演奏吉他时左腿要踩一个脚凳，一般来说脚凳的高度以能使膝盖略高于大腿面为准，具体的高度因每人身体尺寸比例不同、所坐凳子高度不同、吉他尺寸也有所不同等具体情况而有变化，所以最好选择可以调整高度的古典吉他专用脚凳。脚凳放置在左腿正前方，左腿踩在脚凳上要保持正直，小腿应与地面垂直，膝盖不要倒向左边或右边。为了演奏时的省力与稳定，左脚应尽量以全脚掌踩在脚凳上，仅用脚尖或脚后跟踩脚凳上的方法即容易疲劳（有时甚至会发抖），又不安全。由于持琴时吉他的琴体要置于两腿之间，所以右腿应向右侧分开35-45度。为了稳定与省力，右脚的位置一般在右腿伸展的延长线上，右脚向右前方伸出的多少往往有一定的灵活性。

第二步：

调整你脚凳使它大概有6英寸的高度，把它放在你左脚的下面。保持吉他的底侧部分平放在你左腿的上面，不要使乐器只是由一点点的边被支撑。它必须仍然是被平放在你左大腿上的。提高左腿会升高吉他，但是它也会引起乐器顶端的角度有一点向上指了而不是笔直向前。你会注意到当你提起你左腿的时候，你不得不向着你的左腿移动你的右腿来保持右腿内侧的这个接触点。那很好-你是做的对的。提升的运动，假设你已经正确地把吉他平放在你的左腿上，使吉他上侧部的后边位置更加靠近了你的胸膛。调整你的脚凳来升高或降低你的左腿以致于吉他向前移动轻轻的接触你的胸部。你也应该轻微的向吉他倾斜。不要夸大向前倾斜的运动，你不要想倚靠在吉他上。请注意如果你把琴颈的角度保持和第一步一样。那么吉他的中心线现在接触了你右腿内侧的一点，它是几乎位于右大腿的上部。而从第一步中它所接触的那点向上移动了。再一次的，这是好的，现在吉他的头部应该大约处与眼睛平行的地方。

第三步：

现在，你用三点来持琴：你的两个腿和你的胸部，最后的支撑点是你的右前臂的内表面部分。为了正确的放置你的右臂的位置，首先，以肘为中心弯一个90度，使你的手掌对着你的身体。你的手应该是这样举的，一个平面物体（一把尺）放在手臂上，它能沿着前臂接触到所有的点。为了做到这一点，你的右手腕不应该折的，也不应该左右旋转。应该有一条假想的笔直的线，从你的右手食指的大的关节处一直延着你的右前臂的左侧内边沿伸。当保持着你右臂和手的这个方位的时候，在肩膀处旋转整个右前臂（不要抬高肩膀）直到你右臂的内侧部分接触到吉他的。在你前臂的与吉他的接触点应该是在你肘和手腕之间的1/3处。在吉他上的接触点应该大约在和下弦枕直线对应的地方。另外右臂的一个自然的下垂和向内的压迫会牢牢地和其他三个点固定吉他。对着琴弦放低你的右手，在靠近音孔的地方，在离琴弦上方约1英寸处悬空你的放松的右手。现在，你是以演奏的姿势正确的持琴了。四个基本接触点：在吉他演奏中身体与吉他有很多个接触点，如左手有五个手指与指板接触，右手有四个手指与琴弦接触，在左右手演奏消音和右手演奏拨奏等方法时，左右手与吉他还会有更多的接触，甚至要细分下去，单就右手还有“指尖”接触与“指甲”接触之分。这些接触点经常变动，而且都有一个共同的特点就是不负担吉他的重量，也不维持吉他的平衡，这样才有利于最大限度地发挥左右手的运动机能。在吉他演奏中，有四个基本接触点直接影响吉他的稳定与平衡，并为演奏与技巧的发挥提供最基本的保证，我们把它们叫做四个“基本接触点”。①左大腿与琴体下侧凹陷部接触。这个接触点负担了吉他大部分的重量，请注意不要因为放上了吉他而使左腿左右歪斜。左大腿应和吉他侧板保持面的接触。不要仅以吉他侧板的前棱或者后棱与腿接触，尽管有些演奏家主张以此来减少身体对吉他振动的影响，但对于初学者和一般的演奏者来说，首先应考虑的是稳定与平衡。②右大腿内侧与琴身底部的这个接触点亦支持着吉他的部分重量，但由于吉他重量很轻，右腿没有必要用力向内夹靠吉他，而是轻轻倚靠着就行。③琴体背板上部边缘与前胸的“中右”部接触。有了以上两腿的接触点支持吉他的重量，吉他琴身只用轻轻略倒向人体即可。这个接触点的接触力量很轻。注意：既不要向后仰使吉他的重量靠在胸前，也不要向前把整个身体的重量压在吉他上。吉他与左胸接触是不正确的，出现这种情况往往不是脊柱侧弯就是身体与吉他存在这样或那样的不协调，应及时改正。有了以上三个点后，吉他已经在一个平面内被固定了下来，但这时吉他的重心和位置还是不稳定的，为了使吉他在一个空间里稳定与平衡，至少还应有第四个接触点。④右前臂中后部与吉他侧板边缘接触。当右臂以自然的重量放在吉他上后，吉他在空间里的位置就固定了。只要不加入任何外力，吉他就能保证很大程度的稳定。要特别注意右臂放置在吉他上的部分是小臂的中后部，肘关节与吉他接触是不对的。许多教材中笼统地以肘部来描述这个接触点是不准确的。还要注意第四个接触点所需要的力量实际是很小的，右臂放置在琴体上的自然重量就绰绰有余，右臂向下压或用手臂将吉他向身体方向夹等都是错误的，要避免。⑶吉他的三个角度，除了以上四个接触点保证吉他与身体的力学关系外，吉他本身还应满足一定的位置条件才能使身体机能得到更好的发挥，我们用三维空间中的三个角度来描述吉他的合理位置。从正面来看，吉他琴颈的走向应与水平面呈大致45度的夹角。角度太大，琴身过于直立，角度太小琴身呈水平都会（主要是左手与左肩）带来不必要的负担，影响左手技术的发展。有些教材中要求演奏者的头部或眼睛与琴头处在同一水平线上大致也是这个意思，但是由于每个演奏者的身体情况千差万别，所以这样的描述我们认为不够科学。从侧面来看，吉他、上体、地面是一个很狭的等边三角形。吉他下侧板与左大腿的倾斜角度也正好吻合。由于这个等边三角形很狭，而且吉他本身重量很轻，所以吉他与上体互相支持的力量非常小，上体只是微微前倾与琴体轻轻倚靠在一起。从演奏者的上方看，吉他与身体不应是平行的，应呈一个较小的夹角，琴头应向前方倾斜约10-20度左右。如琴身与身体平行或琴头向后方倾斜，很容易造成身体扭转和左肩背的紧张。⑷上体的正确位置：上面我们已经讲过了，上体向后仰是错误的，上体保持笔直也不完全正确，上体的正确姿势是身体自然坐直，并微微前倾与吉他轻靠。除此之外，身体的上身会出现一些容易导致身体疾病,却又常常被忽略的问题，如：①弯腰驼背，脊柱向前弯曲。

②身体向左或向右平移，脊柱向左或右侧弯。

③以腰为轴，脊柱向左或向右侧扭转，肩与胯不平行。

这些问题都与脊柱的种种不良姿势有关，而且一旦养成习惯就很难改变。3、右手的姿势：

按要求正确做好持琴姿势后，右手前臂中部轻放在吉他侧板上，手腕自然放松，手掌自然下垂，在音孔的后缘处分别把Ｐ指放在⑥弦上，把ｉ、ｍ、ａ放在③、②、①弦上，这时形成的姿势我们叫做右手拨弦前的“准备姿势”。右手姿势是右手技术的基础。右手的姿势与发音方法是古典吉他上最重要，也是最容易产生错误与误解的技术。正确的右手姿势的要点如下，①右手在拨弦之前应自然放松，从手臂到手腕、从手掌到各指均不应用力紧张，时刻牢记正确的姿势是自然的，是自然而为之的，而不是刻意摆出来的。②Ｐ指应向前超出ｉ指一点，以防止与ｉ、ｍ、ａ指互相妨碍，③手掌与ｉｍａ各指的走向应自然地与琴弦呈45－60度的夹角，而不是与塞戈维亚一样手与琴弦呈80－90度。二十世纪古典吉他技术有了很大的发展，如果还延用陈旧的和错误的观点对我国吉他发展十分有害。④手腕应自然拱起，手腕的位置高于手掌和手背。从手臂到手腕、手掌再到指尖，形成自然的圆弧，呈一拱形，手腕处最高，给手与琴弦间留出足够的空间，Ｐ指与琴弦间呈30度以上的夹角。手腕低于手背的姿势是不符合生理规律的，应予以纠正。古典吉他乐谱上以Ｐ、ｉ、ｍ、ａ来表示右手各指，ｃｈ为小指（不常用）。Ｐ、ｉ、ｍ、ａ与ｃｈ分别为西班牙语各手指名称的第一个字母。4、左手与左臂的姿势

在左手技术中有两个基本点，一是手臂的位置；二是拇指的位置。我们来用自然的方法找到这两个点的正确位置。把左臂抬起，手心向指板用拇指和其他四指按住琴弦，然后放松左肩，左臂的力量使手臂以本身的重量自然下垂，这时我们就找到了这两个点的正确位置：①左肩放松没有耸肩现象，手臂自然下垂，肘部既不抬高又不夹向身体，肘部与身体的远近取决于左手在指板上不同把位的位置。而不应像有些书中说的尽量靠近身体。②左手拇指在琴颈背后的中线部位与琴颈接触，拇指自然地大致与中指相对，这样才能平衡支撑左手各指的按弦力量。左手拇指轻靠在琴颈中线上，手腕放松并自然弯曲，各指自然地放在指板上，从正面看手背的平面与指板大致平行，手掌与指板的距离应以保证各指能灵活地伸向指板为宜。手指的走向与琴弦相垂直，与音品相平行。这种左手舒展并与指板正对的位置将给左手技术发挥带来极大的好处。同右手一样，左手从肘部、前臂、手腕直至指尖，也形成一个自然流畅的弧形，这种拱形的结构是符合生理与运动规律的。不论左手或右手，如果出现手腕或各指关节塌陷和反弯，都是不符合生理规律的，都将给学习和身体带来危害。第三课琴弦的拨奏1、放松，全身都要放松，当然这是弹琴的前提，对于拨弦而言，肩，肘，手腕必须放松。你要练习把琴拿起来和进入演奏姿势几次，感觉自然和轻松应该成为一个习惯。任何你决定要练习吉他的时候，请随着放松的程序来开始，然后拿起并把吉他摆在正确的演奏姿势。一直到你感到舒服和放松的时候才开始弹奏。再一次，你学会了你所练习的。如果你允许紧张的存在。你会学会伴随着紧张演奏并且随着时间的过去你会变的擅长于此。但是如果你学会放松的演奏，你的音乐会向你的听众表露你的内心世界，那么听你的演奏将是一个享受。2、手腕的角度。3、触弦的角度。4、大关节发力5、发力后马上放松，恢复弹奏前的状态。左手的基础就象平常一样，我们会通过孤立和技巧相关联的活动来学习新的技巧。假设没有吉他在你手里的坐姿。你的左右手是应该放在你的两边而且是完全放松的。在你的手和前臂沿反时针方向旋转的时候，通过在肘部的弯曲，举起你的左前臂和手，直到你能够直接观察你的左手掌。在你的大拇指和其他四个手指之间你能够在你左手食指大关节相反的方向看到手掌的皱纹。如果你的手是正确的摆放的，你的四个手指是放松的和弯曲成一个轻微的弓形。你的大拇指的外侧从你的手腕到你的拇指的顶部形成一个平滑的弓形。现在，你的左手处于正确的左手演奏位置。练习几次从你基本的坐姿到左手演奏的状态的运动，直到你能够很平稳的和自然的做到这个动作。左手手指的运动在你的左手处于正确左手运动的时候，相继通过在大关节转动来运动每个手指。这个运动类似于打字机键当它被压下去的时候（这是对那些见到过打字机的人来说的）。每个手指都应该能够独立运动。你能够很简单的运动你选择要移动的手指。这可能要花费一些练习来达到。开始的时候限于一些较小的运动就可。这个观点是为了得到对你手指全部肌肉的控制。大部分的人习惯于瞬间移动他们的全部手指的，所以，对每个手指肌肉的良好的运动控制从未被发展过。为了学习这技能你将必须非常有耐心。一些人对他们的不能独立地控制每个手指头而变得灰心，以失去演奏时所必须的放松状态来结束。别让这发生。你将能够学会正确地移动你的手指－它需要时间，实践和耐心。不要不正确地练习！这不是你能强行做到的事情。记得，如果你练习错误你会很容易误入歧途。这种技能对好的演奏必不可少，所以，请不要掩盖这一部分。当我不得不第三次"重新学习"演奏的时候，我花费了整整一星期坐在这个位置上移动我的手指。为某个人认为自己是"先进的"演奏者感到非常羞辱。古典吉他音乐经常地有几个在同时发声的声部。每个声部都应该必须独立地，并且有意识地被控制。如果你打算用吉他演奏古典音乐，每个手指头的受控制的独立的运动都必须被完成。让我们来用吉他尝试它。假设吉他在你膝盖上的正确的演奏位置，由4个支撑点来支持。现在从先前的段落执行运动，但是，这次继续让吉他的颈部在你的4只手指和你的拇指之间滑动。你的左手食指应该处于在第5和第9品位之间的和琴弦垂直的某个地方，理想地来说是处于第7品上面。如同先前的说明右手的一部分所描述的那样，你的左手应该这样把持，这样，一个平的物体（一把尺）沿着你前臂和手放在手臂上能够接触到手臂的所有的点。你的手腕应该再一次不被折弯。通过使全部左臂在肩部旋转，你应该能够沿着琴颈把手上下滑动，当轻轻碰到全部6根琴弦的时候仍然能够保持食指垂直对着琴弦，。你的拇指应该不挤压琴颈，它应该跟着手的运动，并且，仍然是仅仅一直接摸琴颈的背部的中心。在琴颈上定位你的左手移动你的4只手指头以致于手指的端部排成行就好像它们休息在一个平面上一样。从肘部来提高或者降低整个左臂使手指端在每根琴弦的上方。不要抬起左肩，它应该是放松的和另外的肩膀持平的。这来自左臂的肘部的运动是从弦到弦移动你的手指的基本运动。不过明显地，可能你将最终想用不同的手指弹不同的弦，无论怎样，任何可能的时候，把手指带到一根弦的运动应该是从肘部的整个左臂的运动。左手基本动作手指的运动关节共有3个：从指尖到指根依次称为第1、2、3关节。

左手按弦各指的记号如下：食指……………1中指……………2无名指……………3小指……………4左手拇指不用来按弦，应该伸直放在琴颈背部中线位置并与中指位置对准。左手手臂应自然下垂。左手各指按弦时，各关节自然弯曲，第一指节与指板面尽可能垂直，这样即省力、按弦又准确。按弦位置应靠近品丝（离品丝太远，会因按弦不实而产生杂音，若按在品丝上，声音发闷也会有杂音）。左手各指按弦应用指尖的肉触弦，指甲会妨碍按弦，因此左手指甲尽量剪短。在演奏的过程中，除了大拇指指肚和按弦手指的指尖外，左手的任何部位不能与琴体接触。左手的运指是需要特别强调的。吉他指板大致可分为四各区域，以左手第一指（食指）所按的品格数作为把位的数序。（1）原把位，即第一把位。食指按第一格，以1、2、3、4指序4指可以按到第四格。（2）上把位，即第二到第九把位。以一指按第九格称作第九把位，4指可以按到第12格。（3）高把位，即第十到第十二把位。（4）超高把位，即十三把位以上。在吉他的演奏中，有时左手需要做每一个手指负责按一个品格的动作，这时要求左手的柔韧性、扩张程度很好。有时左手需要做几个手指按在一个品格上的动作，这时左手手腕和手臂间的角度加大、手腕和拇指稍向琴头方向转动。左手在指板上的移动动作可以分为两类：横向移动和纵向移动。横向移动：手指不换把位，只是在?弦到?弦之间移动。此时以手臂带动手腕活动为主（手臂和手腕间的角度是变化的），手指保持于琴弦（平面）垂直的方向起落。纵向移动：即换把移动。在分析换把移动之前，必需充分理解“移指”和“跳指”这两个不同概念。移指动作指的是在运指过程中手指交替而不是同时离弦，跳指动作指的是在运指过程中手指出现全部离弦，将要按弦的手指越过按前一个音符的手指。换把位动作是弦乐器最重要的基本功之一，换把动作的优劣直接影响到演奏的连贯性。换把的原则是：能用移指动作完成的换把就不要用跳指；必需用跳指动作完成的换把，也要在跳指前用移指动作来作为准备动作，预先向正在按音的手指靠近，进而超越正在按音的手指。左手常犯的错误有：运指时只有跳指动作而没有移指动作；做跳指动作时，手指不离弦而在弦上滑过，产生杂音。关于左手的总结我们已经覆盖到了左手的在琴颈上的正确位置和左手和左臂所需的三种运动：1）在大关节（靠近手掌）的手指的转动来升高或者降低手指2）通过肩部的旋转来使左手沿着琴颈上下滑动。和3）通过在肘部移动左臂使左手指定位在所希望的琴弦的上方。现在我们开始好讨论右手了。右手的基础涉及到右手的技巧是相当的复杂。右手控制了你演奏时声音的产生。虽然左手的触弦能很大程度上影响声音。我们把这样的讨论保留在后面。在这一章里我会来描述右手和右臂所需的每一个不同的运动。从左到右的右手的运动如同你使用一个左臂的在肩部的旋转来沿着琴颈上下移动左手一样，你必须要使用右手做同样的运动来使你的右手定位在你想要得到的声音的那部分琴弦的上方。在这点上我不会进入到真实的声音的产生，那必须是留在后面的一节课。然而，你所接触的琴弦上的那点对于所产生的声音的品质是有深远的影响的。在这里的品质不是指"好"或者"坏"的衡量的尺度。我所指的品质是声音的品质-"音质"，或者是"音色"。音色来让你从圆号或者提琴中来区分出长笛，即使当所有的乐器演奏同样的音高。为了使你的右手沿着琴弦移动，有必要沿着吉他上侧部分滑动你的前臂。如果你没有穿长袖衬衫的话，也许你会想在你的手臂和吉他之间放一些软的布。很多古典吉他演奏家使用一个普通的袜子，在脚跟处被剪断了-这不是一个高雅的解决方法。但是这却有效！小心不要提起或者放下你的右肩。因为那样会带来不希望的紧张给你的演奏。运动仅仅是右肩的简单旋转。沿着吉他滑动你的前臂，使整个手沿着弦桥（左）或者弦枕（右）来运动。右手的由顶部到底部的运动再一次的，如同左手的运动一样，通过在肘部转动右臂来使右手定位在六根弦的上方。基本的演奏起始姿势是通过肘部的手臂运动来把右手的大拇指和其他四个手指直接的放在所希望的琴弦上。演奏单独的需要跨越几根琴弦的动作需要你通过肘部的手臂运动来定位右手在之后的琴弦上。通过延伸或者弯曲手指来接触下一根琴弦是不正确的，那将会是很多次的，当你需要同时演奏两个或三个音符时。需要你延伸或者弯曲右手手指来定位在一个位置和基本的起始位置是不同的。关键的要去考虑的事情是你首先要从肘部来移动手臂来完成"总"的运动。然后使用手指的运动来接触正确的琴弦。右手的（ima）（食指，中指，无名指）的运动古典吉他是由右手的拇指，和其他三个手指来演奏的（食指，中指，无名指）。第四个手指应该是一直跟随着第三个手指的运动的。每个手指在古典吉他作品中由以下符号来表示。p=大拇指，i=食指，m=中指，a=无名指每个手指都有三个关节，每个手指的运动在这些关节处被限制为弯曲或者是伸展。每个关节都在它们的可能的伸展或者弯曲的限制中的某一点。在指尖处的那个关节应该是保持固定的但不是紧张。在击弦时它可以有轻微的运动，因为弦对手指的压力，但是我们不要尽力来控制这个关节。手指中间的那个关节是手指的运动源泉。在准备拨弦时你需要伸展这个关节，而保持大关节在运动范围弦之中的中点位置。当你的指尖接触到琴弦时，手指的运动继续从中间关节一直运动到接近弯曲的最大限制处。在这点上，运动仍然继续，跟随着大关节（第三关节）的弯曲运动。随着你的技术的进步，在演奏中的手指运动的范围会变的越来越小，但是手指的基本运动是不变的。我们在后面会谈到真正的击弦运动的结构并在那时候谈及手指运动的描述。不拿吉他，单独的练习每个手指的运动，然后仔细观察以至于你能够确信在练习正确的运动。记住，如果你练习错误。。。（作者打盹了）。。。。右手拇指的运动在吉他的教学中，关于拇指的正确运动有一些不同的意见。一些很有能力的演奏家坚持认为它的运动应该是一个循环的运动，而其他人激烈的反对并且说这个运动对于其他手指是单一的，绝大多数教师都赞同拇指主要的运动是应该从拇指靠近手腕的关节来的，我个人的见解是一个混合的运动，它有时候有一点轻微的旋转，但是绝大多数是相当直的运动。而你所做的决定要取决于你自己的身体和你如何来使用拇指最好的发音。当你尽力来使用拇指来演奏音乐的时候我们会深入的覆盖这个问题。右手基本动作右手各指的符号如下：拇指…………p(pulgar)食指…………i(indice)中指…………m(medio)无名指…………a(anular)小指…………ch(chico)右手在吉他演奏中至关重要，技巧较复杂，需引起重视。1、右手指甲的修剪：“历史上曾有指头派（代表人物为索尔，不留指甲，以指尖的肉来拨弦）和指甲派（代表人物为阿瓜多，纯粹用指甲来拨弦）。两种拨弦方式各有优缺点。经过几代演奏家的研究，目前认为以塞戈维亚为代表的现代派的拨弦方式最为科学。这种方法是先用指甲和指尖同时触弦，再用指甲拨弦。这种方法兼有指头派与指甲派的优点，而且音色的变化丰富。指甲的形状（请参考教师的指甲）和长度根据个人的情况不会完全相同。指甲必须用细砂纸（建议用2000号以上）打磨光滑，以保证拨弦音色。指甲露出指肚的长度基本为0.5-3mm。指甲的基本形状与触弦点见图示。2、右手的基本姿势：右手前臂轻放在琴体合适的位置，手腕自然放松保持凸起。拇指外侧放在第?弦上，i、m、a指分别放在第?、?、?弦上。稍稍调整一下各指的触弦角度，使各指做到指甲和指肉同时触弦。右手拨弦位置一般在音孔中心靠后的位置。在以后的演奏中必需一直保持这种姿势，切记！3、右手的拨弦要领吉他演奏一般有两种拨弦方式。靠弦奏法(apoyando)：拨弦后瞬间，手指靠在下根弦上；不靠弦奏法(alaire)：拨弦后，手指不接触下根弦。

一般来说，靠弦奏法的音色比较浑厚，力度大了。不靠弦奏法音色柔美清晰，力度小，速度快。现在倾向于使用不靠弦奏法奏出靠弦音色，因此i、m、a各指用特殊的不靠弦奏法，仅仅p指使用靠弦奏法。重点训练i、m、a各指的发力、拨弦方法，触弦方式，使其发出浑厚的音色（后面将有专门的练习）。右手i、m、a各指在拨弦过程中必需保持手指呈柔和的弯曲状（1、2、3关节均有一定的弯曲），拨弦时的主要运动关节为第3关节（有的教材称作第3关节发力）。P指应注意第2关节不可凹陷从而导致紧张。4、拨弦过程实际上分为三个阶段：触弦、绷弦和放弦。(1)触弦阶段：首先在保持右手基本姿势的前提下，为手指、手掌、手臂选择一个合适的角度和位置，以保证i、m、a三指能以指甲、指肉同时触弦，同时也使大拇指与弦保持较大的角度（不小于30度）。为做到指甲、指肉同时触弦，i、m、a三指放在第?、?、?弦上和琴弦构成的角度显然应该小于90度，而不是以前的观点：垂直于琴弦。从右手手背方向看，各指触弦点均不在指尖正中，而是有不同程度的偏向左侧。(2)绷弦阶段：这是右手拨弦过程中最关键的动作。在完成触弦动作后，将弦沿垂直于面板的方向绷紧（可理解为压弦，此时的手指一定要按要求做到弧形形状，以第3关节运动为主，第1关节形状保持不要凹陷）。这一绷弦过程需要长期的练习，做到肌肉记忆。(3)放弦阶段：放弦犹如拉满弓后的放箭。放弦的动作要干脆、果断，离弦的瞬间，手指的运动方向一定要和琴弦垂直，以免因指甲摩擦琴弦而产生杂音（特别是在弹奏?、…、?弦时）。(4)移指练习

初学吉他如何闯过右手的拨弦关在吉他的演奏中，右手主要担负着投弦的任务，吉他美妙的音色主要来源于右手。著名吉他艺术家陈志曾说过：“古典吉他生命力的核心，就是独特的、变化无穷的音色。”那么，要想拨出美妙动听的琴音，右手需具备哪些基本能力呢？①拨弦的手指要有～定的力量，并能够正确的发力；②拨弦的手指要有很好的独立活动的能力；③拨弦的手指要有很好的灵活性；④拨弦的手指要有很高的稳定性和准确性；⑤拨弦的手指还要有一定的拨弦耐久力等。由于吉他演奏对右手投弦指间的扩张要求相对较低，所以初学者在练习右手投弦时，并没有像学习左手按弦那样出现许多的问题和麻烦。初学者只要按照“传统”的方法，即食指投③弦，中指拨②弦，无名指拨①弦，大姆指投③⑤④弦，认真的练习一段时间，右手便能顺利而熟练的拨弦了。正是因为这个缘故，许多的初学者都觉得吉他左手的按弦要比右手的拨弦难得多，从而把时间和精力都放在了左手上，忽视了对右手投弦的深入研究和探讨。其实“与左手相比较，右手的运动似乎更难一点，更应引起我们的注意。这不仅因为左手的技巧全要由右手表现出来，而且更重要的是右手在完成本身技巧的同时，还要时刻注意音色美。”（引自上海音乐出版社出版的（吉他手册》）初学者随着吉他水平的不断提高，最终困扰他们的是右手而不是左手。所以，吉他初学者应该像重视左手一样来重视自己的右手。那么，初学者应如何去练习右手呢？一、本外练习琴外练习就是不操琴的练习，其根本原则就是随时利用工作、学习中的一些空余时间，多做一些能提高手指运动能力的手指操，以保持手指良好的弹奏机能。它是琴上练习的有益补充。下面试举凡例：①右手各投弦指做曲、张、扩的运动。②右手各投弦指做敲击桌面的练习。③对右手各拨弦指做按摩。④用器械进行辅助性的练习，如健身圈等。二、本上练习在进行琴上练习之前，初学者最好能花回些时间学习如下的基础知识：①吉他演奏的流派。②靠弦奏法的方法、特点及应用场合。③勾弦奏法的方法、特点及应用场合。④投弦的基本过程（触弦、绷弦和放弦）及正确的发力方法。掌握了上述基础知识后，初学者便可以进行如下的右手投弦练习了。1音阶练习音阶练习是吉他上最基础、最简单的练习，同时也是最重要的练习。许多基本功和技巧都能通过音阶的练习来掌握。初学者可先从全音阶开始练习，进而练习半音阶，最后进入塞戈维亚音阶的练习。在音阶的练习中，右手要采用交替拨弦法，其手指组合如下：A．i指、m指采用靠弦奏法。B.i指、m指采用句弦奏法。C.m指、a指采用靠弦奏法。D.m指、a指采用勾弦奏法。E．i指、a指采用靠弦奏法。F．i指、a指采用句弦奏法。2．分解和弦练习将和弦音按照先后顺序弹奏出来，就称为分解和弦。它是吉他经常使用的很有效果的伴奏手法，它的节奏音型种类丰富，各有特色。由于分解和弦中的各音可以有许多种不同的排列组合，右手的指法也就相应地有许多种不同的变化，因而分解和弦是训练右手拨弦的绝好练习。在分解和弦的练习中，右手要采用勾弦奏法。初学者可采用卡尔卡酉的22条分解和弦或者朱里亚尼作的120条分解和弦进行练习。3持续和弦的练习将和弦音同时弹奏出来，就称为持续和弦。在弹奏持续和弦时，拨弦指要尽量并找一块同时拨弦，发出的音才能整齐、结实。弹奏持续和弦采用句弦奏法。右手组合如下：A.i指、m指、a指同时拨。B.i指、m指同时拨。C.i指、a指同时拨。D.n指、a指同时拨。4组合练习组合练习即拇指P和食指i、中指m、无名指a之间的协调拨弦练习。练习时拇指拨③弦（或⑤弦、④弦），i指、m指、a指弹①弦。其组合方式如下：（一）p指和ima指先后弹：pimipmimpmam．Pamapiaipaia（二）P指和ima指同时弹：iammaammiamiPPPPPP练习时可采用下面4种方法练习：A.P和ima指均用勾弦奏法。B.p用靠弦奏法，ima指用勾弦奏法。C.p用句弦奏法，ima指用靠弦奏法。D.P和ima指均用靠弦奏法。练习要求：①右手要始终保持正确的手型。②开始练时速度尽量慢一些，拨弦力量小一些，在保证音符清晰和节奏准确的前提下，可逐步加快速度，增大力度，反复练习。3．练习时要仔细倾听各指拨出的音色、音量，力求其韵味上的统一感觉。通过一段时间的练习，相信你的右手素质定会有一个质的飞跃。总结：你应该能够非常舒服的坐着并且吉他是处在演奏的位置。你应该能够把双手移动到任何在乐器上演奏的位置。你也应该能够从正确的关节来正确的移动所有四个手指。第四课

左右手的基本训练一、基本练习顺序移指练习属于左手手形联系，每日必须练习。乐谱见第五章中“3音阶练习”第（4）条。该谱是?弦上的移指练习谱，左手是1、2、3、4指循环按在吉他的第1、2、3、4品、第2、3、4、5品……直到4指按在第12品再返回。熟练后应该移指做到琴弦的最后一品位置。其他各弦上的练习都要做，谱见第四章（4）移指练习。练习要求：1.速度为每分钟60个音或更慢2.左手大拇指伸直并与中指严格对准3.保持正确的手形，包括：手指第一指节尽量垂直按弦、垂直起落，每一关节保持弯曲弧度（尤其第三关节不可凹陷），1、2、3、4指第三关节的连线要和琴弦平行等。4.关键问题是放松。任一指按弦时其他指必须放松，按弦手指完成动作后立即放松，手腕、手臂随时放松。练习的慢速是体会放松的前提。5.移指过程。1指按弦，2指按弦后1指停在原处并立即放松，3指按弦后1指、2指停在原处并立即放松，4指按弦的同时1、2、3指与拇指抬起，准备做下一品的动作反复。二、拨弦动作练习属于右手手形练习，应充分重视。基本手形为i、m、a指分别放松放在???弦上，p指放松放在?、…或?弦上，注意触弦位置应正确。练习动作要很慢。

练习要求：1.p指练习。触弦，垂至于琴面板压弦（蹦弦）并保持，放松（不发声），反复压弦并保持，放松练习。然后做触弦、压弦、放弦（发声）练习。

2.i、m、a指练习。例如a指练习，保持右手基本手形，a指在?弦上练习。触弦，垂至于琴面板压弦（蹦弦）并保持，放松（不发声），反复压弦并保持，放松练习。然后做触弦、压弦、放弦（发声）练习。压弦时注意该指第一关节保持自然弧形不要凹陷。第五课认识音乐的四个要素（一）在这一课里，我将解释音乐的四个要素：音高，节奏，力度和音色。在今后的课程里我会来解释和说明这些基本的要素是如何互相作用以至于使音乐表达无穷性的存在成为可能。音乐总是包含它的这四个基本要素，在你演奏的全部时间来感知和控制这四个要素是很重要的。音乐符号这些年来已经很好的发展，包括了有很丰富符号的系统。这些不同的符号允许一个作曲家对音乐的要素进行各种描述（不是完整描述）。这一课不应该被解释为是成为一部完整音乐符号词典的尝试。我的在这一课里提到的关于这个议题的其他材料信息的来源是来自于哈佛音乐词典第二版，WilliApel编写，由TheBelknapPressofHarvardUniversityPress,Cambridge,Massachusetts.出版。这一课不会来处理更进一步的音乐层面，比如音程，连续演奏的两个音在音高上的距离；和弦，按照一定的音程关系同时演奏的两个或者两个以上的音；旋律和和声，用各种音高的音造成的心理舒张驱使音乐服从于作曲者的意图；或者声乐，在一首音乐作品中的独立的旋律线，它的四个基本音乐要素需要分别引起注意。这些议题，在等待你对四个基本音乐要素有了实际应用知识以后再来涉及。音高我们将要讨论的音乐是由自然的不连续的调性组成的。这和那些为电子合成器而作的音乐来说是形成对比的，那些音乐对我们的十二平均律来说可以产生任意的调高。一个G谱号（高音谱号），一个升调记号表明这是G调，一个写在下方的八度符号"8"，以及标明为普通拍子（即4/4拍，CGV注）的符号。一个G谱号（高音谱号），一个降调符号表明这是F调，一个可以将原有音符时值延长二分之一的附点符号。五线谱一个表明音长的符号已经被发展为使用平行的水平线和空间来标注代表各个音长的符号。一个具有五条平行线和四组空间的组被称为是一个五线谱。谱号谱号就是在每个五线谱最左边的用来定义五线谱上绝对音高的符号。谱号有三种：G谱号（高音谱号），F谱号（低音谱号），C谱号（中音谱号）。绝大多数现代的音乐出版物都使用G谱和F谱，而对于比较老的C谱，往往在G谱号下方加一个八度符号来表明。G谱号是由一个8字形的符号（一般认为是字母g的花式写法，CGV注）组成的，下边的椭圆形要比上部的椭圆形大3至4倍。下边的椭圆形被描绘成一个开放的圈，这个圈占据了五线谱下面的两条线。大圆中心所在的第二条线被定义为g音。G谱也是古典吉他音乐所采用的谱，但因为吉他上实际调高比标准G谱上的要低一个八度，所以正确的古典吉他音乐记谱法是在G谱号下边放一个8字符号。这样一个小小的8字告诉了读者真正听到的调高是比谱上的低一个八度的。不幸的是，只有很少的吉他谱上有这样一个8字符号，而读谱者是需要知道实际调高是比谱上所写的低一个八度的。F谱，通常被称为"低音谱"，谱号由一个背对的后面有两点冒号的符号组成。F谱号的两个冒号跨越了从五线谱从上数的第二线,这是小字组f的位置。C谱是由数字3和在它左边的一个粗的垂直线组成，中间缺口所卡的线所表示的音高为小字一组的c。这种谱表的写法有两种，第一种就是"第三线c谱表"，即数字3的那个缺口正好对准五线谱中间的第三线；第二种叫做"次中音谱表"（第四线C谱表），3的中间正好对准五线谱的第四线。在历史上，这种谱表是被用来作为一个"可移动的五线谱"来减少太多的下加线，但是现代的出版者通常会避免一起使用它们而宁可来使用一个上述的8字符号。调号的作用是避免对于五线谱中的一系列需要升降的音进行标注。后面的课程会涉及到"度"和在调号产生背后的理论，但是在这里也足以能够说明调号对于五线谱中的音符有很大的影响。古典音乐在五线谱的每一行的开始都有这样的调号。音符是在能被以符号纪录的音乐中最小的单位了。在现代音乐记谱法中，音符是被画作有一个椭圆形符号，大部分带着一根符干。音符在五线谱上的不同位置，决定了它们的音名：从A到G。临时记号：升号、降号、还原号两个音名之间的音，必需要用一些记号来表示。这些记号包括升号、降号（如同字母b）、以及还原号。这些符号在五线谱上出现既可以定义一个调，也可以仅仅改变一个音的音高。这三种记号在五线谱中通称“临时记号”。临时记号都是写在符头的左面，并且其中心必须和符头处于同一线上或者同一间内，它们的作用都是一直延续到这个小节的结束。滑奏和滑音哈佛音乐词典定义滑奏为"通过滑动产生的度的变化"。有时这会和术语“滑音”混淆起来，滑音是通过持续的移动来升高或者降低音高使一个音向另外一个音变化。其实在古典吉他上演奏滑音是不可能的，因为随着手指滑过品丝，音高是的变化是不连续的。在吉他上滑奏是以半音来"计量"的——从起始音到结束音，都是以半度音来步进的。在吉他谱上通常用一个直线来连接需要滑奏的音，并且通常会标上"gliss"字样。中空的菱形符头来表明它们应该被演奏成泛音。在最后一个我要谈到的关于音高的符号是泛音标识的使用。而可惜的是在印刷的吉他谱中对于泛音的标示并没有一个统一的标准。一个普遍的做法是对于泛音标识全都使用那种菱形的音符，来取代椭圆形的符号。那么疑问就来了，因为有时候作曲家标示了真实的音高，有时候标示的仅仅是手指在音品上的位置和使用哪根弦来产生泛音，而有时候呢，在五线谱上用菱形符号来表明特定的音符低一个八度。吉他可以产生自然泛音和人工泛音，这也同样带来一些符号记录上的问题。在泛音的符号记录上有太多的变化了，但是如果一个著名出版商的出版物中，通常会解释如何来注释泛音符号的。如果不是这样的话，你要么听这首作品的录音，要么用你最好的判断来看怎样演奏才听起来最好。第六课认识音乐的四个要素（二）节奏可以被定义为音乐在时间轴上运动的性质。在这一节中，我将介绍在乐谱中表达节奏的最常用记号。这些记号包括：拍子；小节；拍子记号；休止符；速度记号；符干，符尾，附点和连接；连音记号；滑音记号；断音记号、顿音记号和延长记号。拍子是音乐中最基本的因素，它推动乐曲的发展。在流行音乐中，拍子体现得非常明显。这很容易让你产生共鸣，随着节奏翩翩起舞。而古典音乐却不把节奏夸张到这个程度。事实上，古典音乐作曲家更喜欢在作曲的时候，将最基本的节拍延伸到许多小节中，从而创造出合乎节拍的音乐流动。因此，在弹奏乐曲的时候，尽管不一定非要意识到'节拍在哪里'，但你往往可以感觉到，音乐的生命力正是因为拍子的存在而存在。拍子记号是由两个数字组成，紧跟在调号后面。一般写在乐曲第一行，也可以根据作曲家的意愿出现在乐曲的任何地方。拍子记号的形式很像数学中的分数，上面一个数字，下面一个数字。下面的数字代表拍子的基本计量单位，即一拍在时间上有多长；上面的数字表示一小节包含多少拍，也就是在一个小节中有多少个基本拍子单位。我们来看一个例子，一个拍子记号是3/4，它的意思就是以四分音符为一拍，在一小节中包含三拍。一个给定的拍子记号，我们可以有各种不同的组合方式，有多种不同的选择。比如，一个3/4拍的小节，可以包含6个八分音符（加起来是3拍），全音符加上一个二分音符（总和依然是3拍），或者，无穷变化的音符组合起来，只要它们的拍子总和是3拍就可以了。在乐曲中最常用的拍子是4/4拍，所以我们也常称它是'普通拍子'。普通拍子不是用'4/4'来标记，就是用一个大写C来记号。你也应该见过一个大写的C中间有一条垂直线，这个记号是2/2拍的简写形式--其含义是以二分音符为一拍，每小节两拍--英语中常称其为"cuttime"。小节：音乐的基本节奏单位被包含在小节中。音乐的小节是指在五线谱上下线间的一条竖线和下一条竖线间的内容。出现在小节中的临时记号（不是调号）仅仅会影响本小节的音符。如果作曲家想让同一个变化出现在下一小节，那么临时拍子记号需要在下一小节内重新标明。另外，一个小节所包含的节拍数必须严格遵循拍子记号的规定。使用小节的原因在于很多乐曲中都存在有规律的强弱变化。在一个四拍的小节中，强音通常出现在小节的第一拍，第三拍则是一个次强音。而在一个三拍的小节中，第一拍是强音，第三拍仍然是一个次强音。要认识到的是，不是所有的乐曲都用小节来记录，但是，作为吉他演奏家（除了极少数现代的吉他曲）都会使用小节。因为，只有非常少的吉他演奏家具有一看乐谱就能奏出的本领，而小节记号无疑为大家的视奏带来了极大的帮助。休止就是指音乐中间'无声音'的一段时间。休止在到底是否应该被看作是音乐的一部分,或者说是否需要"演奏"出来是一个有争议的问题。不过，无论从哪个角度来看，休止在任何乐曲中的作用都是非常重要的。在很多类型的音乐中，休止是在乐曲中表现音乐效果的必然手段和技巧，尤其体现在'古典时期'（在1770年到1830年）。休止也零星的出现在其他的音乐中，特别是浪漫音乐或者根源于民间文化的音乐中。在学习演奏中，仔细认真斟酌如何在乐曲中表现好休止是非常重要的一件事情。有一些演奏者在他们演奏中从来没有停顿，他们只是一味的弹，遇到休止符时，他们或者让音乐渐渐停止或者他们的停顿就是手指的转移而已。尽管吉他的演奏技法取决于声音的圆满，但是它也源于音乐流动与停顿之间的和谐。速度记号是为了告诉演奏者每一拍时间的长短，速率。大部分乐谱用词或者词组来表示速度。以下是常用的速度记号--但是绝对不单单只是这些--Largo（最缓板）,Larghetto（甚缓板）,Adagio（慢板）,Andante（行板）,Moderato（中板）,Allegro（快板）,Presto（急板）,Prestissimo（最急板）。这些符号的绝对速度是每分钟40拍到每分钟200拍左右。虽然这些基本的节拍单位已经被精确到了每分钟具体的拍子数，而实际上现代音乐只是象征性的运用这些符号。一些作曲家利用速度记号来阐明自己对整部作品时间周期的意图，而用什么样的速度来表现作品，使乐曲在多长时间后结束最终还是取决于演奏者。其他的一些速度符号是作曲家特别为演奏者标记出的对于演奏特定位置的速度快慢的要求。'ritardando'，'rit'或者'ritard'表示缓缓的放慢速度；'ritenuto'则表示突然的放慢速度。'accelerando'或者'accel'的意思是加快音乐的速度。'rubato'是最经常被滥用或者误解的速度记号，其含义是演奏者在弹奏乐曲的时候应该是稍微的放慢或者加快速度。一定要仔细注意在表现'rubato'的整个过程中，'rubato'听上去的效果就像没有被表现一样。这种感觉会让很多演奏者在实际演奏中忽略演奏这个速度记号，或者只在记号那一点弹一下就算了。符头、符干、符尾、附点和连音线节奏的最基本的表达方式之一之一就是代表不同时值的音符。所有的音符都有一个'头'--一个可以与'符干'相连的圆圈。一个具有符干的音符可以有好几条'尾巴'。最后，这个由符头－符干－符尾组成的东西后面也许还会有一个或者两个'小点'跟着。当符头只是一个空心圆，没有符干，这就是'全音符'；当这个空心圆与一个符干相连，它就变成了半音符；如果这个空心圆被填满了，就成了四分之一音符。如果再给这个音符加