最好的二胡自学教程之一-学习二胡准备知识

第一局部学习二胡准备知识1.学习乐器的的十大能力和七大好处十大能力：〔1〕丰富的想象力；〔2〕高度的专注能力；〔3〕大胆的表现能力；〔4〕深刻的理解能力；〔5〕优秀的记忆能力；〔6〕良好的协调能力；〔7〕沉稳的控制能力；〔8〕杰出的组织能力；〔9〕锐意的创新能力；〔10〕自主的学习能力。

七大好处：〔1〕培养综合能力；〔2〕陶冶道德能力；〔3〕提升气质修养；〔4〕锻炼身心健康；〔5〕广阔的就业时机和尊贵的职业价值；〔6〕富有魅力的特长，在交际中成为焦点；〔7〕继承和弘扬民族优秀的传统文化，增强民族自豪感和凝聚力。2.学习乐器对于青少年的益处现在人们的生活水平提高了，又大多是独生子女，所以对于孩子的教育可是特别重视的．是啊，就这么一个宝贝孩子，盼着成龙成凤那也是正常的．除了正常的上课学习，家长们总是在考虑再给孩子们学点啥．于是，有学绘画的，有学书法的，有学跆拳道的，当然也有学音乐的．对于家长们来说，学习乐器肯定是好事情，可是究竟怎么好，各位家长的认识那是不尽相同的．所以经常会遇到一些家长问：＂您说学这乐器到底对孩子有啥好处呢？＂好处有：(１)平衡大脑的运行

人的大脑分两局部，左半球专管对语言的处理和语法表达，如词语、句法、命名、阅读、写作、学习记忆等。而空间技巧与右半球相关，如对三维形状的感知、空间定位、自身打扮能力、音乐欣赏及歌唱等。可以认为左半球是科学性的，而右半球是艺术性的。这样写有些复杂，简单一点说左脑管思维方面多一些，右脑管运动和艺术多一些．例如：平时我们如果在读书，那就只要用眼睛和脑子就可以，耳朵可以不用的．听音乐只用耳朵就行．眼睛也可以闭着的．而如果在运动的时候，我们考虑的是如何协调肢体动作的问题．就是说我们如果是学习，就用左脑为主，如果是运动那么以右脑为主．但是学习乐器却必须全面动用脑的两个部位．比方，你练习乐器的时候，右手要动，左手也要动，眼睛要看乐谱，耳朵要听音高，脑子里还要记乐谱背乐谱．可以说是真正的一心多用．在此时，大脑的左右两个半球都被调动起来，左脑和右脑同时工作，既调动思维又调动动作．你说这是不是对于脑部动能的最好锻炼和平衡？而且在这种一心多用的状态下,孩子无法在分心于别的事情,这对于培养孩子注意力的集中也是大有好处的.(２)同时调动逻辑思维和形象思维

人们在学习的时候，大多数知识都是用逻辑思维范畴来表述的．惟有音乐属于形象思维范畴的．长期在逻辑思维的领域学习，形象思维的能力得不到运用，人的形象思维能力就会下降．学习音乐，可以提高人的形象思维能力，防止两种思维方式的偏废．有效开发青少年的智力.(３)提升形象思维的程度

即使在艺术领域，同样处于形象思维范畴，其中也有区别．比方，书法、建筑、雕塑等属于确定性形象思维．因为它们都有特定的外形，而且不可变更．在书法里，三横一竖读＂王＂．在绘画里，＂红＂就是＂红＂，＂绿＂就是＂绿＂．在建筑里，故宫就是故宫，颐和园就是颐和园．而音乐属于非确定性形象思维，你不能说１〔豆〕２〔来〕３〔米〕是＂王＂，３〔米〕４〔发〕５〔扫〕是＂红＂、你也不能说５〔扫〕６〔拉〕７〔西〕是＂故宫＂或＂颐和园＂．音乐一响起，你就只能靠自己的感觉去感受，你就很难说明音乐是某种形态．所以说音乐是最高级的形象思维．(４)学音乐的孩子不会学坏

台湾教育界有句名言，就是＂学音乐的孩子不会学坏＂．根据调查，一般学习音乐的孩子学习成绩好的比例很高．而犯罪的比例却非常少．我想，一是学习乐器就必须有时间保证，学习音乐的孩子剩余的时间和精力就有限了．而最重要的是音乐本身的潜移默化的教化功能．使得孩子在学习音乐的同时在学习美，感受美，还在实践美．一个美的环境对于陶冶孩子的心灵和性情无疑是大有裨益的．(５)合作和团体意识

如果你学习乐器到了一定的水平，建议你最好参加到乐团的活动当中去．因为单纯学习文化课的过程可以说是一个竞争的过程．你的分比我高，我的分要比他高，是以竞争为主要形式的．而在乐团演奏是需要和别人配合的，对于独生子女和现代青少年来说，他们缺乏的可能就是合作和团体意识，现在，在许多学校有各种乐团，如果学校没有也可以到少年宫去参加乐团的活动，对于提高孩子的演奏水平、结交朋友、提高合作和团体意识肯定是大有益处的．

有些家长经常问:"我们的孩子将来不想让他搞音乐,你说学乐器有用吗?"

大家知道,世界著名的大科学家,相对论的创造者爱因斯坦的小提琴就拉的很好.无独有偶,我国著名的地质学家,"陆相成油说"的提出者,原地质部长李四光也是一个优秀的小提琴家,据说中国最早的小提琴曲还是他创作的呢.

往近了看,美国前总统克林顿的萨克斯吹的一流.而美国国务卿赖斯居然毕业于美国最有名的朱利亚音乐学院,是个很有名的钢琴演奏家呢!3.将来的世界性乐器――二胡二胡传入中原之前，当时叫西琴，在北宋时期，它是契丹族等西族使用的弓弦乐器。当时他们就是用鳄鱼皮或蛇皮等动物皮来蒙制乐器。后来随着契丹进入中原，这样的乐器迅速在中原流行开来，并开始叫“二胡”。到了明代时候，弓弦乐器在中国的绘画艺术中有大量反响，如当时的小说《金瓶梅》中对二胡就有记载。而到了清代更是到达顶峰，特别到了民国时期，经过阿炳和刘天华两人的开展，二胡从伴奏乐器变为独奏乐器，并进入高等教育科目。二胡是中国独特的民族乐器，它用蟒皮蒙制已有上千年的历史。中国民乐协会信息处丰元凯主任解释说，蟒皮因其特殊的组织构成、强度大、受气候影响小，色泽鲜明等特点，经过长期的自然选择过程，成为民族乐器振动膜的首选材料。这种中国所独有的传统工艺，据考证至今大约已经有上千年的历史。目前，同时使用蟒皮制成的乐器还有高胡、中胡、三弦、手鼓等。使用蟒皮制成的二胡，是我国具有十分悠久历史的弦鸣乐器，其音色因具有“模拟人声”的特点，演奏者在二胡演奏当中，通过技术的表现、感情的发挥、赋予乐器极强的演奏感染力。古往今来，著名的二胡乐曲有《二泉映月》、《听松》、《江河水》等一批脍炙人口的华乐经典。据悉，日本著名指挥家小泽征尔在指挥完二胡协奏曲《二泉映月》后，泪如泉涌，称“二胡将来一定会成为一件世界性乐器”。20世纪中期以后，二胡由伴奏乐器开展为独奏乐器，成为专业演奏者和百姓群众所喜闻乐见的民族乐器，并被纳入了全国各音乐学院民族乐器中正规专业教学科目。由于二胡具有独特的艺术表现力，国内外二胡学习者与日俱增，国外对二胡的需求量不断上升，近几年二胡出口额呈几何级数上升，二胡开始形成国内外不断扩大的需求市场。4.二十一世纪中国二胡的开展前景傅华根中国弓弦乐器二胡自唐代初步定型以来，至明清时代经过了一千多年的开展历程。在这一千多年中，二胡虽然一直在开展中，但其开展的速度却非常缓慢，在这一漫长的开展过程中，二胡一直处于一种民间的状态，缺乏独立性，也没有留下有记载的二胡作品和人物。直到明清时代，在中国戏曲空前开展的历史背景下，二胡才有时机得到了较快的开展。这时期京胡、京二胡、二胡等胡琴类弓弦乐器在各地方戏曲中已成了主奏乐器，胡琴类弓弦乐器的品种得到了很大的开展，同时这类乐器的演奏技术也得到了进一步的开展。尽管这时的二胡得到了较大的开展，但它仍脱离不了伴奏乐器的地位，还未上升为一种音乐会的独奏乐器。〔1〕刘天华先生的奉献20世纪初，当西方文化在中国人求变维新的声浪中、在“五四”以科学、民主为目标的新文化运动中涌入中国后，中国的社会发生了深刻的变化，东西方文化产生了剧烈的碰撞，西方音乐文化也随之传入中国。当时受到新文化思潮影响的民族音乐家刘天华先生，在继承中国传统文化和民族、民间音乐的根底上，借鉴吸收了西洋音乐的作曲理论和小提琴的演奏技术，对二胡进行了系统、全面的改革。先后创作了《良宵》、《病中吟》、《空山鸟语》、《光明行》等十首二胡曲和四十七首二胡练习曲，并对二胡的制作规格、二胡的定弦、二胡的记谱方法等进行了改进，把二胡这件此前从未登过大雅之堂的民间乐器变成了一件能在各种大型音乐会或沙龙里登堂入室的、音色优美动人、表现力丰富、演奏技术高超的独奏乐器，同时刘天华先生还把二胡从此纳入了专业音乐院校的教学之中。在刘天华先生的倡导下，中国的二胡音乐艺术得到了前所未有的大开展，从而奠定了中国现代二胡音乐艺术的根底，对20世纪50年代以后中国二胡音乐艺术的开展产生了深远的影响。中国的二胡音乐艺术开展到今天，无论在二胡音乐作品的创作、二胡演奏技术的提高和开展、二胡教育的开展及二胡人才的培养方面，还是在二胡这件乐器的制作上的改进、完善等方面都取得了很大的成绩并到达了一个相当高的水平。二胡已成了中国民族音乐中最具代表性的乐器。二胡作为中国的弓弦乐器，虽然已经历一千多年的开展历史，但作为现代二胡音乐艺术的产生和开展是从刘天华先生开始的，还只有近百年的历史。所以从二胡音乐艺术的开展来说，还只能算是开了一个好头，以后的开展前景将会更美好、更辉煌。无论从二胡乐器本身的改进还是从二胡演奏技术、二胡教学、二胡音乐的创作等方面来说，还有很大的改革和创新的空间，二胡还是属于一种在开展中的乐器。为了能使二胡音乐艺术尽快地开展，使二胡逐渐开展成一件成熟的乐器，使二胡走向世界并成为一件世界性的乐器，还需要我们在许多方面不断努力。中国还需要再造就出一批优秀的二胡音乐作曲家、演奏家、教育家，要进一步提高二胡的演奏技术、改进二胡构造上的一些不合理的地方。21世纪中国的二胡一定会开展成为一件成熟的乐器，一定会走向世界并成为一件世界性的乐器。〔2〕音乐艺术作品为本音乐艺术首先是音乐作品的艺术。有了音乐作品之后，才有可能产生音乐演奏的艺术。因此，音乐作品是音乐艺术开展的灵魂。纵观中外音乐历史的长河，每种音乐风格和流派的产生、开展及演变，无一不是以其占据代表地位的作品而决定的。音乐巨匠贝多芬以他的九部交响曲和钢琴奏鸣曲奠定了维也纳古典乐派的地位；肖邦以他那火一般的热情与诗人一般的浪漫情怀创作了一大批钢琴曲而将钢琴音乐艺术推到了一个崭新的境界；中国的二胡音乐艺术因为有了《良宵》、《病中吟》、《光明行》、《二泉映月》等流传很广的经典名曲，才使二胡艺术确立了在中国民族音乐中的显著地位。近百年来，中国二胡音乐艺术迅速开展的事实证明，每一次二胡音乐艺术开展的顶峰期都是由于出现了一批优秀的二胡新作品而形成的，二胡音乐的创作永远是二胡音乐艺术开展的第一动力。20世纪初，正是由于刘天华先生对二胡进行改革，创作了十首不朽的二胡名作和四十七首二胡练习曲，才确立了中国现代二胡学派的地位，大大推动了二胡音乐艺术的开展，使一千多年来开展缓慢而一直处于民间状态的“讨饭”二胡终于登上了音乐艺术的大雅之堂。20世纪50至60年代中国二胡音乐创作出现了一个新的局面，一批具有代表性的二胡新作品如《豫北叙事曲》、《三门峡畅想曲》、《赛马》、《江河水》、《山村变了样》、《赶集》、《秦腔主题随想曲》、《春诗》等的产生，大大推动了中国二胡音乐艺术的开展，中国出现了又一次二胡音乐艺术的顶峰开展期。20世纪70年代末以后，中国二胡音乐的创作更呈现了百花齐放的局面，各种风格、各种体裁、各种题材的二胡作品以多元化的趋势出现，大大拓宽了二胡的表现力及二胡演奏曲目的范围，使二胡的演奏技术提高到了一个前所未有的层次。20世纪70年代末以来出现的二胡代表作有《一枝花》、《战马奔腾》、《葡萄熟了》、《洪湖人民的心愿》、《江南春色》、《长城随想曲》、《蓝花花叙事曲》、《第一二胡狂想曲》、《流浪者之歌》、《卡门主题随想曲》、《阳光照耀塔什库尔干》等等。展望21世纪中国二胡音乐艺术的开展，前景是非常美好的，但开展的道路是曲折的。为了使中国的二胡走向成熟、走向世界，中国需要在今后的二、三十年里培养出一批优秀的二胡音乐作曲家，由他们创作出一批优秀的二胡作品来推动中国二胡音乐艺术向更深的层次开展，通过对大量优秀的二胡作品的演奏，来不断提高二胡的演奏技术，造就一批优秀的二胡演奏家和二胡教育家，从而再来推动二胡音乐创作的开展。通过这样屡次的循环往复，使二胡音乐艺术逐渐走向成熟。〔3〕改进二胡结构的探索为了在21世纪使中国的二胡音乐艺术开展得更为成熟，使二胡走向世界并成为一件世界性的乐器，除了需要造就一批二胡音乐的作曲家，创作出一大批音乐会的二胡作品外，进一步改进二胡的结构，使其发音更具科学性，不断提高二胡的演奏技术也是一项非常重要的工作。从乐器的构造上来说，二胡不象马头琴、提琴等弓弦乐器那样弓子是放在弦外演奏的。在演奏二胡时，弓放在两根弦之间，所以我们必须采用两种不同的运弓方法在内、外弦上演奏。另外，二胡的弓直接位于琴筒的上面板上，所以在演奏二胡时由于弓杆的重力作用，不可防止地会使弓杆碰到琴筒的面板，产生摩擦，产生杂声和噪音，造成能量的损耗，影响二胡的演奏音色。为了克服以上二胡构造上存在的问题，使右手在运弓时尽可能地做到放松，防止和克服在运弓时由于弓杆、弓毛与琴筒面板磨擦而产生杂声、噪音和能量的损耗，笔者经过长期的思考和实践，决定在现有的二胡上作一点小小的改进，改进的效果是令人满意的。通过改进后非常有效地克服了原先运弓时由于弓杆摩擦琴筒面板而产生杂声、噪音和不必要的能量损耗的现象。改进的具体做法是在琴筒上面板右边紧靠琴杆内侧的地方固定一块楔形状的小木块，〔见图一、图二〕，其俯视图为14×28毫米的长方形，〔从琴筒前口方向看〕正视图为下底28毫米长，上底12毫米长，高为10毫米的梯形。这块楔形状的木块可用红木之类的木材来做。由于在琴筒上面板上安装了一块高10毫米的小木块，〔图一〕在演奏二胡运弓时，弓毛贴在这小块红木上，不跟琴筒面板直接接触。这样一方面大大减少了由于弓毛与琴筒面板大面积接触产生的摩擦而引起的能量损耗，另一方面由于整个弓子的位置比原先提高了10毫米，因而在演奏中有效地克服了由于弓杆的重力作用而使弓杆不可防止地与琴筒面板接触、摩擦的现象及由此而引起的杂声、噪音和能量的损耗。这样一来使二胡的演奏音色得到了大大的改善，使二胡的运弓质量发生了深刻的变化。同时也克服了原先由于运弓时弓杆与琴筒面板摩擦而〔图二〕引起的弓杆的磨损。我们常常可以看到一些用了几年的二胡弓的弓杆磨损了一半的现象。通过上述对二胡结构上所作的小小的改进，同时再采用一种正确、松弛的运弓方法，这种弓杆磨损的现象将不再会发生。一般的二胡演奏姿势都将二胡的琴杆向前倾斜一定的角度。由于二胡琴杆的向前倾斜，左手就必须来承当二胡琴杆前倾而产生的重力。这样就不可防止地会造成左手额外的负担而引起的紧张，使得在演奏中换把时或多或少地出现左手的紧张和手指按弦时触弦的不灵敏，从而影响二胡的演奏音色。为了克服这一现象，在演奏时可采取将琴杆垂直向上的持琴方法，使整个二胡能自然地直立于左大腿的根部上。这样左手持琴就非常轻松，没有任何负担，使换把和手指按弦变得非常轻松、灵敏。采用这样的持琴方法，非常有效地解决了原来必须由左手来承当琴杆前倾所产生的重力而造成的在演奏中不可防止的左手生理上的紧张。通过上述对二胡结构上所做的小小的改进和对持琴方法的改进，既成功地克服了二胡构造上存在的问题而引起的运弓上的困难和麻烦，又有效地解决了原来必须由左手来承当琴杆前倾所产生的重力而造成的演奏中左手生理上不可防止的紧张，为在二胡演奏中做到左、右手的自然放松创造了更好的条件。〔4〕二胡演奏的新途径传统的二胡演奏在演奏技术、特别在二胡的发音上还存在着一些美中缺乏的地方，同时二胡在构造上也还存在着一定的问题，因而，长期来，笔者一直在探索、寻找一条二胡演奏、特别是二胡发音的新途径。笔者在继承传统的二胡演奏方法及尽力防止演奏中任何生理上的紧张〔二胡专业上所指的紧张〕的原那么根底上，对二胡的演奏姿势、右手的持弓及运弓方法、左手的持琴及左手手指的按弦和二胡的结构等方面，进行了深入的研究、探索，并作了一些必要的改进和改革，效果是令人满意的。笔者这样做并不想刻意标新立异，而只是在寻找一种客观存在，在寻找一种二胡所固有的正确的发音规律和演奏方法。二胡正确的发音规律和演奏方法是一种不以人们的意志为转移的客观存在，但人们可以去发现它、找到它、应用它。为了使二胡的构造更趋合理，为了使二胡的发音更完美、更符合科学，笔者曾进行了无数次的试验和实践，试图来克服二胡构造上的缺乏和摆脱演奏中任何生理上的紧张和拘谨。做任何事情，正确的方法应该只有一种，而错误的方法往往有成千上百种，所以为了找到一种正确的方法，往往需要经过成千上百次的试验。只要我们能努力地探索、研究二胡的演奏技术，在二胡上一定可以演奏出符合科学振动原理、优美动听的声音，二胡一定会在不远的将来开展成一件成熟的乐器，二胡一定能进入国际弦乐演奏的舞台。为了能使二胡迅速、顺利地走向世界，中国的二胡界人士还必须在今后的几十年内化大力气来进一步深入研究、提高二胡的演奏技术，特别是要研究出一套科学的二胡发音的演奏技术，并将它推广、普及、发扬光大。只有在解决了二胡科学发声的演奏技术后，即能在二胡上演奏出符合声学原理、具有穿透力的、优美动听的声音之后，才能更好地来研究、开展、提高其他的二胡演奏技术，包括右手的各种运弓方法和左手的各种演奏技术。二胡由于它在构造上的特殊性，而大大增加了二胡演奏技术的难度。首先二胡不象提琴类乐器那样有指板，因而增加了左手的按弦、揉弦和按音准确的难度，很容易造成左手手指在按弦时的紧张度，影响二胡的发音。其次由于二胡的弓不象马头琴、提琴类弓弦乐器那样放在弦外演奏，而是放在二胡的两根弦之间来进行演奏，因而必须在内、外弦上分别采取不同的运弓方法来进行演奏，这样就使得二胡运弓的技术难度比马头琴、提琴类弓弦乐器大大增加。另外在小提琴的演奏中弓子的重力方向是与弓毛与琴弦间应产生的压力方向一致的，而在二胡演奏中弓子的重力方向与弓毛和琴弦间应产生的压力方向是垂直的，这样又增加了二胡运弓技术上的难度。由于上述这些二胡构造上的特殊性，使得二胡的发音技术比马头琴、提琴类弓弦乐器难得多，当然二胡上其他弓法如快弓、顿弓、断弓、跳弓等等及左手按弦、揉弦等技术的难度也相应大得多。从刘天华先生创立现代二胡学派以来，中国的二胡在演奏技术上开展很快，在二胡的两根弦上也能演奏出高难的小提琴曲。但从科学的演奏观点来看，二胡在演奏技术上还存在着一些问题，演奏技术的开展还不够成熟，从二胡的发音即二胡的演奏音色上来说还不十分理想，还需要进一步的开展提高。虽然由于二胡构造上的一些特殊性，而增加了二胡演奏上的难度。但根据笔者几十年的研究和实践经验认为，只要我们能应用科学分析的方法，深入、细致地对二胡的演奏技术进行大胆的探索、研究、实践，上述由于二胡构造上的特殊性而带来的困难都是可以克服的，二胡的演奏技术完全可以象提琴类乐器那样开展到成熟阶段的。〔5〕让二胡走出国门，推向世界为了使中国的二胡在21世纪全面走向世界，使二胡成为一件世界性的乐器，需要靠中国的二胡界人士共同努力做好各项根底工作，包括创作出足够量的音乐会二胡作品，培养出一大批优秀的二胡演奏艺术家和二胡教育家，进一步扩大中国的二胡在世界各国的影响力，让中国的二胡演奏家走出国门到世界各地去宣传、介绍中国的二胡音乐艺术，让中国的二胡教育家走出国门到国外去向外国人传授二胡演奏，同时还要进一步提高全方位的二胡演奏技术，使二胡音乐艺术走向全面成熟。到那时，二胡走向世界将不成为一个问题。从世界乐器开展史的观点来看，许多乐器在它开始产生的初期都是局限在一个较小的地域范围内的，然后才慢慢地开展、传布而成为一个较广阔的地域甚至全世界范围内的乐器的。小提琴的前身是阿拉伯的雷巴伯〔Rebab〕，于公元800年左右传入意大利北部，1560年前后，由意大利人德洲洛首先对这阿拉伯乐器雷巴伯进行了改革，使其成为了三根弦的小提琴，后由意大利人阿玛蒂在三弦提琴上增加了一根弦成了四根弦的提琴。1770年由阿玛蒂的徒弟斯特拉迪瓦里〔Stradivari〕最终确定了小提琴的造型、构造、尺寸，成了今天的小提琴。因而小提琴从一开始并不是欧洲产生的乐器，更不是美洲、澳洲产生的乐器，但它却成了世界性的乐器。中国的二胡从一开始也不是整个中华民族的乐器，而只是中国北方一个很小的少数民族中流传的乐器，后来才慢慢开展演变成为整个中华民族的主要弓弦乐器。二胡是否可能在今后开展成为一件世界性的乐器呢？我们认为是完全有可能的。要使二胡成为一件世界性的乐器，不但需要我们中国人努力做好自己的工作，如创作出足够数量的音乐会二胡作品，进一步改进二胡在构造上的不合理之处，提高二胡的演奏技术，努力向世界各国人民宣传介绍中国的民族音乐和二胡音乐，还有一个非常重要的工作就是要走出国门教外国人学习二胡，在外国人中逐渐扩大拉二胡的队伍，同时，需要有一批外国的作曲家创作出适合于他们本国、本民族音乐文化的二胡曲。正好象提琴类乐器的作品中既有欧洲风格的作品、美洲风格的作品、澳洲风格的作品，也有亚洲风格、中国风格的作品一样，当二胡在外国人中普遍流传的同时能产生一批各个国家和民族不同风格的二胡作品时，二胡就会象小提琴一样成为一种世界性的乐器。随着经济全球化进程的不断开展，整个世界将越来越象一个“地球村”，世界各国之间的经济、文化交流将日趋频繁，东西方文化和其它文化之间的相互渗透将成为整个人类社会开展的必然趋势，世界各国、各民族的文化将在经济全球化的不断深入开展中很有可能最终融合成一种世界共有的文化。东方文化中包含着西方文化和其他文化，西方文化中融入了东方文化和其他文化，这将是经济全球化不断深入开展的必然结果。那时世界各国、各民族的文化中将会出现你中有我、我中有你的局面，一国或一个民族将很难把自己的文化保持得非常纯粹。所以随着世界经济全球化进程的不断深入，各国间的文化交流将越来越频繁，为二胡走向世界提供了非常有利的社会文化背景条件，21世纪世界经济全球化的开展将进一步推动和加快二胡走向世界的进程，中国的二胡成为一件世界性乐器的前景一定是光明的。5.学习二胡的适合年龄二胡是每个愿意学的人都可以学的，只要你的手没有畸形，听力也没有障碍，就根本上具备了学习二胡的条件。如果仅仅作为一项业余爱好来学习二胡，应该说在年龄上是没有要求的。要是对学习二胡有一些理想，想学得好一些，或者想在这方面有些开展的话，那么从5岁到8岁的年龄段开始学比拟理想，最迟别超过9岁。按儿童智力发育的规律来看，女孩子应该稍早一些，男孩子可以稍晚一二年开始。过早学也不一定好，孩子学起来很吃力，容易使她〔他〕产生厌倦情绪。这种情绪一旦深化，有可能会使这个孩子一辈子对二胡都不会有兴趣了。6.学习乐器要掌握的一些根本乐理知识〔一〕音〔1〕音的产生：

音是一种物理现象。物体振动时产生音波，通过空气传到人们的耳膜，经过大脑的反射被感知为声音。人所能听到的声音在每秒振动数为16-2000次左右，在自然界中，我们人的听觉能感受到的音很多，但并不是所有的音都可以作为音乐的材料。使用到音乐中的音〔不含泛音〕，一般只限于每秒振动27-4100次的范围内。也就是说在音乐中所说的音是人们在长期的生活实践中挑选出来，能够表现人们生活或思想感情的，并组成一个固定的体系，用来表达音乐思想和塑造音乐形象。

〔2〕音的主要性质：

音的上下音的强弱音的长短音色

(A)音有上下、强弱、长短、音色四种主要性质，在音乐表现中非常重要，其中以音的上下和长短最为重要。不知道您是否有这样的体会：对于一首歌，不管您人声演唱还是乐器演奏，唱的声音是小是大，也不管您演唱或演奏时用什么调，音的强弱及音色有了变化，但这支歌的旋律依旧。可是，如果这首歌的音高或音的长短有改变的话，那么音乐的感受就会受到严重的影响。可见，对一段旋律来说，音高和音长短的重要性。

(B)音的上下决定于物体在一定时间的振动次数〔频率〕。振动次数越多，音越高；振动次数越少，音越低。音的强弱决定于振幅〔音的振动幅度〕的大小。振幅越大，音越强；振幅越小，音越弱。音的长短决定于音的延续时间的不同。音的延续时间越长，音越长；音的延续时间越短，音越短。而音色由发音体的性质、形状及泛音的多少等多种因素决定。

(C)什么是音色？音色指音的感觉特性。是音乐中极为吸引人、能直接触动感官的重要表现手段。发音体的振动是由多种谐音组成，其中有基音和泛音，泛音的多寡及泛音之间的相对强度决定了特定的音色。人们区分音色的能力是天生的，音色分为人声音色和器乐音色。人声音色高、中、低音，并有男女之分；器乐音色中主要分弦乐器和管乐器，各种打击乐器的音色也是各不相同的。

(3)音的分类

乐音噪音

根据音振动状态的规那么与不规那么，音被分为乐音与噪音两类。音乐中使用的主要是乐音，但噪音在是音乐表现中必不可少。如架子鼓发出的声响就是一种噪音，不过，这种噪音有一定的规律。〔二〕音阶

五声音阶七声音阶

(1)音阶的定义

音阶〔Scale〕指调式中的各音，从以某个音高为起点即从主音开始，按照音高次序将音符由低至高来排列，这样的音列称为音阶，世界各地有许多不同的音阶，随着音乐水平的进步，音乐非常完整的理论与系统，目前世界上几乎都是用西洋的十二平均律来作为学习音乐的根底，因此我们今天所说的音阶，就是以最普遍的大音阶〔大调〕与小音阶〔小调〕为主。

(2)音阶的分类

根据调式所包含的音的数量可分为："五声音阶"、"七声音阶"等。音阶由低到高叫做上行，由高到低叫做下行。

五声音阶〔Pentatonicscale〕由五个音构成的音阶，多用于民族音乐的调式如：do、re、mi、sol、la、〔do〕。〔三〕乐音体系(1)乐音体系的定义

在音乐中使用的、有固定音高的音的总和，叫做乐音体系。

(2)乐音体系的分类

〔A〕音列：

乐音体系中的音，按照上行或下行次序排列起来，叫做音列。

〔B〕音级：

乐音体系中的各音叫做音级。音级有根本音级和变化音级两种。乐音体系中，七个具有独立名称的音级叫做根本音级。根本音级的名称是用字母和唱名两种方式来标记的。两个相邻的具有同样名称的音叫做八度。升高或降低根本音级而得来的音，叫做变化音级。将根本音级升高半音用"升"或""来标明；降低半音用"降"或""来说明；升高全音用"重升"或"x"来标明；降低全音用"重降"或""来标明；复原用""表示。

(3)音域与音区：

音域可分为总的音域和个别音域、人声和乐器音域。

音域中的一局部是音区，音区可分为高音区、中音区和低音区三种。人声的音区划分，往往是不相符合的，例如男低音的高音区却是女低音的低音区。但各音区具有自己的特性音色，这表达在音乐的表现中，一般来说：高音区清脆、锋利；而低音区那么消沉、浑厚。〔四〕调式

稳定音不稳定音

在音乐中，要表现音乐思想、塑造音乐形象仅仅依靠一个孤立的音、和弦或多个彼此毫无关系的音，是难以实现的。

(1)调式的定义

在音乐中，按照一定的关系连结在一起的许多音〔一般不超过七个〕，组成一个体系，并以一个音为中心〔主音〕，这个体系就叫做调式。

(2)调式中音的分类

在调式体系中，起着支柱作用并给人以稳定感的音，叫做稳定音。给人以不稳定感的音叫做不稳定音。不稳定音有进行到稳定音的特性，这种特性就叫做倾向。不稳定根据其倾向进行到稳定音，这叫做解决。音的稳定与不稳定是相对的。我们常见的某一个音〔或和弦〕在某一调式体系中是稳定的，但在另一调式体系中可能变得不稳定，即便在同一调式体系中，因为和声处理的不同，某些稳定音也可能暂时处于不稳定的状态中。

(3)调式的分类

调式分为大调式和小调式。由七个音组成的调式叫大调式，其中稳定音合起来成为一个大三和弦。小调式也是由七个音组成的，其中稳定音合起来成为一个小三和弦。大调式的主音和其上方第三音为大三度，因为这个音程最能说明大调式的色彩。小调式的主音和其上方第三音为小三度，因为这个音程最能说明小调式的色彩。在大小调体系中，起稳定作用的是第Ⅰ、Ⅲ、Ⅴ级。这三个稳定音级的稳定程度是不同的，第Ⅰ级最稳定，而第Ⅲ级和第Ⅴ级的稳定性较差。三个稳定音和它们的稳定性只有和主音三和弦共响时才能表现出来，假使用其它非主音三和弦时，那么不具有稳定性。第Ⅱ级、第Ⅳ级、第Ⅵ级、第Ⅶ级是不稳定音级，在适当的条件下，它们显露出二度关系进行稳定音的倾向。

〔A〕大调

依照十二平均律的系统，我们可以从任何一个半音〔DO、＃DO、RE、＃RE、MI、FA、＃FA、SOL、＃SOL、LA、＃LA、SI〕开始，依照大调的音程排列次序来做出一个全新的大调，以C大调为例：IIIIIIIVVVIVIII

全音全音半音全音全音全音半音

a：主音、导音：

每个大调都有七个音，您看到的罗马数字就是我们为这七个音排列的级数，第一个音为I级音做为整个大调最主要的音常常被称为"主音"，而第七个音为VII级音作为引导整个音阶再度回到主音的VII级音常常被称为"导音"。

b：大调的组成规那么：

每个音之间的音程大小，依序为『全-全-半-全-全-全-半』，这就是大调的组成规那么，我们将整个音阶分成两局部：『DO、RE、MI、FA』+『SOL、LA、SI、DO』，称之为"音型"，每个音型含四个音，其间的音程距离都是『全、全、半』，所以一个大调就是由两个『全、全、半』音型，中间以一个全音连接而成。整个大调音阶组成的口决是："全全半、全、全全半"

c：升级大调

例1：以C大调为根底，一个大调应有两个音型，把C大调的两个音型去掉前面那一个，只剩下后面的SOL、LA、SI、DO局部，在后面再接一个"全全半"的音型，在两个音型之间加上一个全音连接，成为"RE、MI、＃FA、SOL"，其中的FA需要升半音来做成"全全半"音型，因此这个大调就是：此大调的主音是SOL，所以调名就是G大调，调号是＃FA

例2：以C大调为根底，一个大调应有两个音型，把C大调的两个音型去掉前面那一个，保存后面的RE、MI、＃FA、SOL，会再得到一个新的音型LA、SI、＃DO、RE：这个大调的主音是RE，所以调名就是D大调，然后调号是＃FA与＃DO

例3：以C大调为根底，一个大调应有两个音型，把C大调的两个音型去掉前面那一个，保存后面的LA、SI、＃DO、RE得到一个新的音型MI、＃FA、＃SOL、LA：

这个大调的主音是LA，所以调名就是A大调，调号是＃FA、＃DO与＃SOL由此三例继续做下去，我们会得到7个大调：G大调、D大调、A大调、E大调、B大调、＃F大调、＃C大调，而这七个调的调号有一个共同点，就是延续前一个调的调号再增加一个新的调号，顺序是：＃FA、＃DO、＃SOL、＃RE、＃LA、＃MI与＃SI，列表如下：

CGDAEB＃F＃C

D降级大调

例1：降级大调与升级大调相反，以C大调为根底，一个大调应有两个音型，在一开始去掉C大调上面的音型留下下面的DO、RE、MI、FA，然后下面再接一个音型，用一个全音连接起来得到FA、SOL、LA、降SI的音型：这个大调的主音是FA，所以调名就是F大调，调号是降SI

例2：一样的方法，以C大调为根底，在一开始去掉C大调上面的音型，保存下面的音型，在向下接一个音型，得到一个新音型：降SI、DO、RE、降MI这个大调的主音是降SI，所以调名就是降B大调，调号是降SI、降MI

依此类推，得到7个降级大调：F大调、降B大调、降E大调、降A大调、降D大调、降G大调、降C大调这7个大调，这七个调的调号有一个共同点：就是延续前一个调的调号，增加一个新的调号，顺序是：降SI、降MI、降LA、降RE、降SOL、降DO、降FA，列表如下：

CF降B降E降A降D降G降C

注意：十二平均律中只有12个音，只能做出12个大调，可是您算一下，C大调+7个升级大调+7个降级大调总共有15个，怎么会多3个？原因很简单，其中一定有三个调是重复的，需要扣掉，但怎么有重复的？原因很简单，就是"同音异名"造成的。现将升级大调与降级大调的调名列出来哪3个调是重复的，一目了然。

1234567

GDAEB＃F＃C〔升级大调〕

F降B降E降A降D降G降C〔降级大调〕

其中蓝色的调名说明这6个调互相是同音异名的调：

B大调〔5个升记号〕同降C大调〔7个降记号〕

＃F大调〔6个升记号〕同降G大调〔6个降记号〕

＃C大调〔7个升记号〕同降D大调〔5个降记号〕

其中〔B／降C〕、〔＃F／降G〕、〔＃C／降D〕根本就是同一个音，既然主音相同，那音阶自然就完全一样了，只是写法不同而已。

〔B〕小调

小调与大调相比可就简单多了，每一个大调都有一个附属的小调，而且这个附属小调所用的调号是共享该大调的调号，我们可以将小调看成是"寄生"于大调的另一种音阶。将该大调的主音向下移小三度就可以找到小调的主音了，

例1：以C大调为例，其附属小调就是a小调了：

本例中下面那一行就是C大调的附属小调a小调，确定了主音是LA后，向上排7个自然音上去，因为C大调没有任何的升降记号，所以a小调也就没有任何的升降记号。

例2：本例是二个升记号的D大调，附属小调就是b小调，其它的音往上推，因为调号都写在前面了，所以不用去想哪个音要升或要降了。这种小调称为自然小音阶，在作曲中并不常用。

小调的分类

小调分"自然小音阶"、"和声小音阶"、"旋律小音阶"、"现代小音阶"四种，比拟如下：

本图中自上而下分别是"自然小音阶"、"和声小音阶"、"旋律小音阶"、"现代小音阶"，其区别是：

a自然小音阶：

除了调号之外，完全不加任何临时记号。

b和声小音阶：

因为和声学导音的概念，导音应该和主音相差半音，所以除了调号之外，将自然小音阶的七级音升高半音，就成为和声小音阶。

c.旋律小音阶：

除了调号之外，由于和声小音阶将七级音升高半音，六级音和七级音就会相差增二度〔三个半音〕了，为了方便旋律的发挥，所以在音阶上行时将六级音也升半音，却给人以大调的感觉，为了解决这个问题，便在音阶下行时将六级音和七级音复原，成自然小音阶的样子，称为旋律小音阶。

d.现代小音阶：

除了调号之外，在现代的和声中，技术不断进步，大小调的调性也不再是很重要的事了，作曲家需要新音阶，现代小音阶就出现了，和旋律小音阶不同的是，现代小音阶在下行的时候是不将六级音和七级音复原的。〔五〕：音程(1)音程的定义〔A〕音程：

所谓的音程指两个音级在音高上的相互关系，就是指两个音在音高上的距离而言，其单位名称叫做度。度作为音程的单位，是两个音符之间相差几个自然音音名的数量单位，如四度就是指由这个音算起四个自然音音名，如DO和FA之间的度数算法是DO、RE、MI、FA四个自然音音名，因此DO和FA之间的度数就是四度。度数并没有方法显示DO和FA之间确实实距离，确实距离要用半音来算。因为假设只是用度数来计算音程，会出现一个问题：有些度数虽然都叫四度，但之间相隔的半音数目却不一样，如DO和FA之间相差5个半音，而FA和SI之间相差6个半音。度数是相同的，但实际的距离却不同。因此，确定了这组音的度数后还要在度数的前面再加上大、小、增、减等形容词来进一步确定这组音的正确音程。例：假设以自然音Do、Re、Mi、Fa、Sol、La、Si来做例子，所可能出现的音程如下：

一度二度三度四度五度六度七度八度

同音与同音之间为最低度数，称为一度，相隔一个音的称为二度，其它以此类推…….，但是您一定很清楚这样的分法只是最粗略的分法，因为相同的度数之间，还是会因为相隔半音数目不同而有差异，如谱例：大二／小二大三／小三完全／增四完全／减五大六／小六大七／小七

如上例的大二／小二度，DO和RE相差二个半音〔即一个全音〕，MI和FA相差一个半音，但以度数来说都叫二度，为了区分这两种不同的音程，音程较远的被成为大二度，音程较近的被称为小二度。因为一、四、五、八这四种度数在和声学上被认为是最和谐的音程，所以在四度和五度的地方有完全的字样，因此我们称之为完全音程，即完全一度、完全四度、完全五度、完全八度。在音程中，最常见的就是大、小和完全这三种。完全音程因为完全，所以不再冠以大、小这样的字眼，在乐理上是没有大四度或小五度这种名词。而在其它同度数的情况下，大音程一定比小音程多一个半音，如大三度就一定比小三度多一个半音，但有时候因为临时记号的关系，出现了比大三度要再多一个半音的情况，这个音程被称为增三度，如FA和＃LA就是增三度，反之，假设出现比小三度要再少一个半音的情况，就称为减三度，如＃RE和FA。在完全音程的情况下，像DO和FA相差5个半音，称之为完全四度，但FA和SI却相差6个半音，比正常的完全四度增加了一个半音，此时我们就以完全四度作为标准状态，称呼FA和SI的音程为增四度，完全五度和减五度同上。

〔B〕常见的音程的名称：

距离0个半音：完全一度

距离1个半音：小二度〔MI/FA〕、增一度〔DO/＃DO〕

距离2个半音：大二度〔DO/RE〕、减三度〔＃RE/FA〕

距离3个半音：小三度、增二度距离4个半音：大三度、减四度

距离5个半音：完全四度

距离6个半音：增四度、减五度

距离7个半音：完全五度

距离8个半音：小六度

距离9个半音：大六度

距离10个半音：小七度

距离11个半音：大七度

距离12个半音：完全八度

记住最根本的自然音程，其它的就依照原那么去推论：假设这个音程是大、小、完全音程，那就没什么关系了。但假设不是，那么比大音程或完全音程还要多半音的音程称为增音程；反之，比小音程或完全音程还要少半音的音程称为减音程。超过八度的音程，称为复音程〔八度以内称为单音程〕，要判别复音程很简单，只要算出这个音程是八度+？？度数，再减去一度即可得到答案，如c和c2虽然都是唱DO，但差了二个八度，所以他们的音程就是八度+八度再减去一度，答案15度。

(2)音程的分类之一：

先后弹奏的两个音形成旋律音程。同时弹奏的两个音形成和声音程。旋律音程书写时要错开，和声音程书写时要上下对齐。音程中，下面的音叫根音，上面的音叫冠音。旋律音程依照它进行的方向分为上行、下行、平行三种。

(3)转位音程

〔A〕定义：音程的根音和冠音相互颠倒，叫做音程转位。音程的转位可以在一个八度内进行，也可以超过八度。音程转位时可以移动根音或冠音，也可以根音、冠音一起移动。

〔B〕音程转位时的规律：

a、所有音程分为两组，它们是可以相互颠倒的。

b、可以颠倒的音程总和是９。因此我们假设要知道某一音程转位后成几度音程，便可以从９中减去原来音程的级数，例如：七度〔７〕转位后〔９－７＝２〕成二度，其它依此类推。除了纯音程外，其它音程转为后都成为相反的音程：纯音程转位后成为纯音程，大音程和小音程之间通过转位后相互转化，增音程和减音程之间通过转位后可以相互转化，但增八度转位后不是减一度，而是减八度，倍增音程和倍减音程之间通过转位后可以相互转化。

(4)音程的分类之二

极完全协和音程协和音程完全协和音程音程〔按和声音程在视觉上的印象〕不完全协和音程大小二度、大小七度不协和音程所有增减音程倍增、倍减音程

〔A〕按照和声音程在听觉上所产生的印象，音程可分为协和的及不协和的两类。听起来悦耳、融合的音程，叫协和音程。协和音程又可分为三种：

a.声音完全合一的纯一度和几乎完全合一的八度是极完全协和音程。其特性是声音有点空。

b.声音相当融合的纯五度和纯四度是完全协和音程。其特性是声音有点空。

c.不很融合的大小三度和大小六度是不完全协和音程。其特性是声音那么较为饱满

〔B〕听起来比拟刺耳，彼此不很融合的音程叫做不协和音程。包括大小二度、大小七度及所有增减音程〔包括增四、减五度音程〕倍增、倍减音程。〔六〕音乐要素作曲家创作乐曲，也象文学家写诗歌、小说一样，有一套表情达意的体系，那就是音乐语言。音乐语言包括很多要素：旋律、节奏、节拍、速度、力度、音区、音色、和声、复调、调式、调性等。一首音乐作品的思想内容和艺术美，要通过多种要素才能表现出来。

【旋律】又称曲调，它是按照一定的上下、长短和强弱关系而组成的音的线条。它是塑造音乐形象最主要的手段，是音乐的灵魂。

【节奏】各音在进行时的长短关系和强弱关系。由于不同上下的音同时也是不同长短和不同强弱的音，因此旋律中必须包括节奏这一要素。

【节拍】强拍和弱拍的均匀的交替。节拍有多种不同的组合方式，叫做"拍子''，正常的节奏是按照一定的拍子而进行的。节拍：有重音〔强音〕和无重音〔弱音〕的相等的时间片段，按照一定的次序循环重复，叫做节拍。节拍在音乐中的意义，是用强弱关系组织音乐。每一个完整的节拍就构成一个音乐的小节。重音上的叫强拍，无重音上的叫弱拍。构成节拍的每一个时间片段就是一个单位拍。要注意节拍并不是拍子。而是拍子产生的前提和条件。是一种音乐上的规定。规定强、弱、组织音乐的一个定义。一般人往往把节拍当拍子用，是错误的。节拍是产生拍子的前提，拍子在节拍的定义里产生。节拍是个大概念，大范围，拍子是个小概念，具体到音乐中就是该音乐的节拍是什么样的拍子，我也不知道为什么这样分，就像，车的概念和汽车、自行车不一样相似吧。拍子：单位拍用固定的音符来代表，叫拍子。用分数来表示。分子表示小节里的单位数，就是有几拍，分母表示单位拍的音符时值。是二分音符还是四分音符。通俗的说，节拍就是重音与弱音，以一定的规律交替出现，于是就有了2拍子、3拍子。我们规定单位拍的音符时值是四分音符，这样才有了拍子。于是2/4和3/4拍子就成了音乐的一个很重要的局部，这个符号就叫拍号。拍号不但表示了，节奏里强弱出现的规律，还规定了单位拍的时值。这样一小节里就有了2拍或者3拍的强弱交替规律出现，这是节拍的范畴，再规定以四分音符为一拍，就成了音乐的节拍。音乐的节拍和拍子分单节拍和单拍子，就是每小节有2个或3个单位拍的节拍和拍子。在单节拍和单拍子里，重音只出现一次。弱音出现一次和两次。两个弱音出现时，是连在一起的，为的是延迟重音循环的时间。让2/4的铿锵音乐〔强弱〕能在3/4的音乐〔强弱弱〕里多点柔和的成分！但2/4和3/4的强弱不一样，因为3/4的两个弱音连在一起出现，这样音乐就整个因为节拍的改变而改变了，3/4节拍的音乐还是不能替代2/4节拍来表现2/4要表现的一强一弱的柔和，所以2/4拍子的柔和性还是得不到音乐上的释放，而3/4拍子的柔和性也不能更深一层的加强，这样就出现了复合拍子！相同的单节拍〔但拍子〕合成在一起，有两个以上重音的节拍〔拍子〕，叫复节拍〔拍子〕。这样2/4拍子就有了4/4拍子，3/4有了6/8拍子〔3拍子合成以后使用8分音符，是音乐习惯〕。4/4拍子跟2/4拍子的强弱规律一样，只是第二个强拍，成了次强。这样原来进行曲风格浓郁的2/4就有了4/4的变化，柔和了很多，但又不丧失2拍子强弱交替的节拍性质。现在很多流行音乐都是4/4拍子的。而6/8拍子，在原来的柔和根底上就更加柔和，为了不削弱音乐的本性，6/8的速度一般都得到了有意识的加强。

【速度】音乐进行的快慢的程度叫速度。根本上可以分为：快速、慢速和中速。为使音乐准确地表达出所要表现的思想感情，必须使作品按一定的速度演唱或演奏。速度必须明白，是人为确实定，是音乐的需要。是为了表达音乐情感，塑造音乐形象的。在音乐中，快速的演奏慢速的音乐会严重破坏音乐形象，冲动、兴奋、欢乐用快速，抒情的用中速，歌颂的赞歌、回忆、挽歌都用慢速。这些常识可以帮助你理解音乐的表现情感。

【力度】强弱的程度。音的强弱变化对音乐形象的塑造也起着很重要的作用。

【音区】音的上下范围。不同音区的音在表达思想感情时各有不同的功能和特点。

【音色】不同人声、不同乐器及不同组合的音响上的特色。通过音色的比照和变化，可以丰富和加强音乐的表现力。

【和声】两个以上的音按一定规律同时结合。和弦进行的强和弱、稳定与不稳定、协和与不协和，以及不稳定、不协和和弦对稳定、协和和弦的倾向性，构成了和声的功能体系。和声的功能作用，直接影响到力度的强弱、节奏的松紧和动力的大小。此外，和声的音响效果还有明暗的区别和疏密浓淡之分，从而使和声具有渲染色彩的作用。

【复调】两个或几个旋律的同时结合。不同旋律的同时结合叫做比照复调，同一旋律隔开一定肘间的先后模仿称为模仿复调。运用复调手法，可以丰富音乐形象，加强音乐开展的气势和声部的独立性，造成前呼后应、此起彼落的效果。

【调式】从音乐作品的旋律与和声中所用的上下不同的音归纳出来的音列。这些音互相联系并保持着一定的倾向性。而调性那么是调式的中心音〔主音〕的音高。在许多音乐作品中，调式和调性的转换和比照，是表达气氛、色彩、情绪和形象变化的重要手法。音乐语言的各种要素互相配合，具有千变万化的表现力。旋律尽管是音乐的灵魂，但其它要素起了变化，音乐形象就会有不同程度的改变。在一定条件下，其它要素甚至可起重要作用。〔七〕速度与力度1.速度术语在音乐中，速度是个很重要的表现因素。同样一首乐曲，用不同的速度演奏会产生截然不同的效果。因此，一定要注意乐曲开始处的速度标记，并尽量准确地把握这个速度的内涵，也就是说，用最适宜的速度演奏或演唱。

标记速度的方法有两种，一种是用数字直接地规定每分钟进行多少拍，另一种是用文字来说明。按照习惯，这些文字大多是意大利语的，并且，每个字所代表的速度、表情也被广泛地接受，乃至于它们成了记谱法的一局部。表示根本速度的词汇往往还成为器乐套曲中一个乐章的标题，如“广板”、“行板”等。

根本速度术语〔按照由慢到快的次序〕：

意大利语汉语译名意思每分钟拍数

grave庄板庄重的、沉重的40

largo广板宽广的、庄严的46

lento慢板慢的52

adagio柔板悠闲的、柔和的56

larghetto小广板较快的广板60

andante行板行走的、行进的66

andantino小行板较快的行板69

moderato中板适中的、节制的88

allegretto小快板较慢的快板108

allegro快板快速的、欢快的132

presto急板迅速的、急速的184

prestissimo最急板最快、非常快的208

关于这个速度表，要注意每分钟的拍数只是一个约略的数字，在不同国家或不同厂家出产的拍节机上，标记的数字有所不同。除了这些根本速度的术语之外，还有变化速度的术语和关于程度的限定词。

变化速度的术语主要有：

accelerando再快一些、渐快

animando兴奋一些，活泼的快速

stretto紧凑一些、加速

stringendo逐渐加快、加紧

incalzando渐快并且渐强

precipitano突然加快

ritenuto突然放慢

ritardando渐慢

rallentando渐慢

allargando渐慢并且渐强

slentando渐慢〔往往同时渐弱〕

adlib速度自由、节奏自由

关于程度的限定词主要有：

molto很、甚、十分

assai很、十分、极〔有时为“适当地”〕

possibile尽可能地

moderato适度地、有节制地

nontroppo不太……地

nontando不过分……地

sempre一直、始终

poco稍、略、一点儿

pocoapoco一点一点地，逐渐地

pochissimo极少的，最少的

这些限定词经常与根本术语合起来使用，更具体地说明作曲家所要求的速度。例如：moldoallegro意为“很快的”，moldolento意为“很慢的”；pocoadagio意为“稍缓慢一些”等等。

2.力度术语

力度术语用来指出乐曲的力度变化。在乐曲中，力度记号既可能写在开头的地方、段落交界的地方，也可能写在作曲家认为需要说明力度要求的任何地方。在演奏〔演唱〕时，应该注意乐谱上的力度标记，不仅是按照这些标记来表演，最好能理解为什么会有这样的力度要求，以培养良好的、正确的乐感。必须说明的是，力度标记只是一个相对的概念，我们很难说“强”相当于多大的力量，或者“强”的力量是“弱”的多少倍，也无法规定从强到弱要分出多少个力度层次；重要的是不同力度的比照和力度变化中的表现力。同速度术语一样，这些词也是用意大利语的。不过，为了简化记谱，力度术语往往用缩写或是符号来表示。

根本力度术语：

pianissimo很弱〔缩写为pp〕piano弱〔缩写为p〕

mezzo—piano中弱〔缩写为mp〕mezzo—forte中强〔缩写为mf〕

forte强〔缩写为f〕fortissimo很强〔缩写为ff〕

sforzando特强〔缩写为sf或sfz，指一个音〕forzando同左〔缩写为fz，指一个音〕

力度变化的术语不多，只要知道下面的几个词就可以了：

crescendo渐强〔缩写为cresc.〕

diminuendo渐弱〔缩写为dim.〕

forte—piano强后即弱〔缩写为fp〕

sforzando—piano特强后弱〔缩写为sfp〕

特强sf或sfzsforzando或fzforzando〔通常用来表示重音〕

突强rf或rinfrfzrinforzando〔表示很急速的“渐强”〕强后即弱fpforte-piano

特强后弱sfpsforzandopiano或fzpforzandopiano在实际使用中，作曲家们常常觉得根本力度术语的层次还不够，在两端再增加“最强”和“最弱”，或“极弱”〔ppp/pppp〕和“极强”〔fff/ffff〕

构成这样一个序列：ppp→pp→p→mp→mf→f→ff→fff

在出现新的力度标记之前，应该保持上一个记号所规定的力度。此外，力度术语也可以和上面讲过的各种限定词合起来，表示更精确的力度要求，例如pocoforte意为“稍强”，pocoapococrescendo意为“一点一点地渐强”。3.根本速度、力度术语〔中英文对照〕意大利文简写标记法中文pianissimopppp很弱pianopp弱mezzo-pianompmp中弱mezzo-fortemfmf中强forteff强fortissimoffff很强diminuendodim====>渐弱crescendocresc.<====渐强sfortesfsf个别音加强fortepianofp>强后即弱根本速度术语〔中外文对照表〕根本力度术语意大利文中文每分种拍数grave庄板40Largo广板46Lento慢板52adagio柔板56andante行板66andantino小行板69moderato中板88allegretto小快板108allegro快板132vivace活板158presto急板184prestissimo最急板208〔八〕反复记号第一种：终止线前一个冒号。分两种情况演奏：如果之前有一个终止线，在终止线之后有一个冒号的，那么反复这两个反复记号中夹着的一段；如果之前没有反复记号，那么从头开始反复。第二种：D.C.记号。意大利语：dacapo，从头反复。当出现Fine记号时那么反复至Fine记号结束。第三种：D.S.记号。意大利语：dalsegno，从记号处重复。记号为“※”，从该记号处重复。第四种：反复跳越记号,反复跳越记号是段落反复记号的一种补充.一般有1、2两端，弹奏时从头到1结束，再从头弹跳过1弹2，然后结束。7.二胡自学自练根本方法五十年代学二胡的人大约都听到过“千日胡琴百日萧”的顺口溜，意指学二胡有一定