动画的特点完整版本

从形式上看，动画片的艺术性要强于剧情片和纪录片。这里的艺术性是指狭义的艺术，即在“工艺”基础上的艺术艺术性强弱：动画电影＞剧情电影＞新闻纪录电影—纪录片/新闻纪录电影：其艺术性仍然是一个需要讨论的问题—剧情片/剧情电影：剪辑赋予的艺术性—动画片/动画电影：与生俱来的来自绘画和电影的艺术性克拉考尔：认为绘画的特性、美术的特性乃是动画电影的第一要义，而电影的接近纪实的特性根本不应该属于动画电影。本雅明：强调了绘画同电影的最根本的区别——空间的艺术和时空的艺术。迪斯尼的历史和发展证明：—绘画在动画中必须改变自己，成为叙事艺术的一个部分，成为同以往的绘画不一样的绘画。—动画没有回避除了连续摄影之外的任何属于电影的东西，灯光效果、蒙太奇、移动镜头、甚至表演——只不过动画片中的表演者不再是自然的人，而是画出来的角色。美术动画电影趋向于艺术比较短小，注重风格化、个性化以及绘画性和实验性，带有先锋派的色彩。趋向于写实向剧情电影靠拢，最为极端的做法便是在剧情电影发行之后，再制作同名的动画电影的版本，俗称“卡通版”。

1.利用原有故事，使用一般动画片夸张的漫画手法加以演绎

2.从造型到镜头运动都尽量地模仿剧情片

e.g.《骇客帝国》《指环王》——剧情片的卡通版动画片同一般剧情片的边界开始发生混淆—日本动画电影中大量使用的摹片手段：先用真人拍摄，然后再逐格临摹—动画电影先于真人出演出现e.g.

《头文字D》

观照历史：动画模仿剧情电影的意义何在？e.g.《白雪公主》（世界动画史上里程碑式的作品）并非生来写实——在绘画制作的过程中，写实形象所造成的困难要远远超过漫画形象，这意味着写实作品的制作成本和生产周期会成倍增加。之前的想法——卡通化“卡通的首要责任是把生活和动作卡通化——把事物通过观众的想象呈现在银幕上；而不是把动作或事物真正发生的情形拍摄下来或绘出来；要把现实生活所遇到的事物卡通化，或把我们今天所想的事物变得奇妙而表现出来。许多人在研究真实的动作时常有不正确的想法，他们认为我们的目的只是把这些动作照原样画出来。这些想法应该从根本上除掉。”华特·迪斯尼从漫画走向写实的原因（一）—尝试在动画片中导入悲剧的因素：迪斯尼有着自己明确的对于悲剧的观念，认为漫画的造型不适合表现悲剧的因素。特例：《反转巴黎》—对“悲剧”的看法本雅明席勒“古希腊戏剧中崇拜性质的影响比在其他部分明显得多。”——瓦尔特·本雅明：《德国悲剧的起源》“这种生动的苦难幻境还必须在观众身上找到依据，接通他们的心灵和经验，使他们产生一种与剧中人十分接近的亲切感，从而不仅感到幻境生动，而且感到真实。这里的关键，是要努力找到剧中人和观众的相似之处。‘相似之处越明显，越巨大，同情心也就越活跃；前者越少，后者也就越弱。’这种相似，要达到可以使观众和受苦人毫不勉强地调换一下角色的地步。”——余秋雨：《戏剧理论史稿》从漫画走向写实的原因（二）—人物造型的写实化从20世纪30年代前后的美国连环漫画中寻找到的一般社会审美倾向。《贝蒂》引发连环画的“美女路线”；《辛劳者蒂莉》《大力水手》等漫画都将女性形象维持在写实的格调之上；在当时的美国，对于女性的美，形成一种相对固定的观念；迪斯尼此时选择写实的白雪公主可谓顺理成章，有着相当“雄厚”的受众基础。从漫画走向写实的原因（三）—叙事方法的电影化摄影机在三维空间中的运动→解决了二维平面的绘画和能够表现三维空间的摄影机之间的矛盾，使动画电影多出了一个纵深的维度。电影明星细腻的表演→对真人与动画结合的形式的执著e.g.《爱丽丝漫游仙境》（计划取消）《里普·范·温克尔》（计划取消）《被迫而起的巨龙》（失败）写实与漫画的糅合—造型和动作设计上的写实倾向vs.漫画和夸张的风格—动画商业大片的三种形式1.写实与漫画并存2.以写实为主3.以漫画为主—它们都获多或少倾向于模仿一般电影的叙事，其美术的形式也同一般的绘画保持了相当的距离，形成了自己独特的风格，并以此在商业影片的制作中占据了主导的地位，成为了一种主流的风格和样式。—杂糅漫画和较工整的线描绘画形式相对来说更为常见。写实与漫画的糅合—非主流艺术短片的探索不放弃“美术”这一艺术形式注重形式而相对忽略时间的因素（即不太注重故事的构成）受到世界各地动画电影节的关注

分类标准内容—类似剧情片的划分，但完全没有幻想的、仿剧情片的动画片和完全是幻想的剧情片都不罕见，因此一般不作讨论形式—从制作方式入手进行区分（详细见后）时间—商业片（偏重于叙事的长片，一般也包括电视中连续播放的系列动画片或动画连续剧，同时也包括一些动画短片）艺术短片（艺术化的短片）按制作标准，可将动画片分为：—狭义的动画片—偶类片—剪纸片—合成片—虚拟手段影片狭义的动画片形式—来自于绘画目的—求得商业利润，因此内容一般符合社会伦理规范且富于教育意义。常见绘制方法：“单线平涂”“单线平涂”及其他用线条在纸上勾勒出人或物的形象，然后再通过一道叫“描线”的工序将线条复制到透明的赛璐璐片上，再填上各种单一的颜色，最后同画在纸上的背景合成，成为一格完整的画面。意义：对动画绘制的过程进行了有效的分工，降低了成本；会动的人或物同不会动的背景的分离，降低了绘画的工作量。其他形式的风格化绘画：如油画、水粉画、水彩画、素描、版画、甚至中国的工笔画、水墨画等等，制作成本高，花费时间长，一般比较短小，难以进入商业发行渠道；形式上活泼多样，立意独特，主要作为艺术品走上社会。※数码技术的发展：数码技术只是一种工具，并不具有独立的美学价值。偶类片e.g.

《小鸡快跑》《圣诞惊魂夜》涉及的美术形式—具有三维空间特点的动画片。材料—许多坚硬材料难以利用，除传统的木材外，多使用易于成型和改变的材料，甚至可利用的自然之物。代表—“关节偶”（雕塑具有能动的关节，在拍摄的时候可以通过调整关节来改变原来的形态）。分类—按照使用材料不同，分为木偶、泥偶、布偶、人工材料偶等。成本—一般比动画片低很多。偶类片优点—在艺术片领域中的表现突出。缺陷—受到了材料和空间物理形态的制约，影片中“人物”的动作远不如动画片来得灵活和夸张，同时也很难做到仿真；制作环节复杂，周期长，对人员素质要求高，难以进行大规模生产。竞争—富于历史文化性的传统偶戏；价格低廉、可多人同时生产的三维数码技术。剪纸片·本土e.g.

《金色的海螺》来源—中国本土，受北方剪纸和皮影艺术的影响。美术造型—倾向于民间剪纸，平面镂空，极富装饰性。色彩使用—比较接近于动画，更多变化，而不是像剪纸本身那样单调。肢体处理—离开原有的装饰性较远，便于动作。关节处理—借鉴了皮影的结构，使人物的关节可在二维平面上做360度的运动。优点—富于艺术性。现状—国家的指令性生产结束之后，每况愈下，2000年开始，已基本停止了生产。剪纸片·国外特点—没有形成独立的影片样式或制作上的风格，而是与动画片结合，成为一种动画电影的补充方式。原因—与西方剪影文化有关，西方的“剪纸”本是一种民间的剪影艺术。起步—

e.g.

《阿基米德王子历险记》（1923-1926），长达68分钟，比中国早。结合—形成绘制人物、但却使用完全平面运动的杂揉动画和剪纸的方法。“真人动画合成片”e.g.《兔子罗杰》《空中大掼篮》《鬼马小精灵》《爱丽丝的仙境》《极乐同盟》指动画片同其他类型的影片相结合，且不处于次要的、辅助的地位。优点—有一种幻想同真实相交融汇的新鲜感。缺陷—在技术上有一定的难度；还要面对成人比较强大的审美心理定势的问题。合理性—人脑中的认知系统能够接受省略的信息形态；人们知道，人类的主观心理世界不同于客观的世界，打破假定性也可以符合人们的心理感受。※虚拟三维数码动画技术的应用：在空间上弥补了平面动画那种强烈区别于三维影像的单薄感，但作为动画片，三维的变形和夸张仍然维持了美