拉赫玛尼诺夫《音画交响曲》op33no5作品分析

拉赫玛尼诺夫《音画交响曲》op33no5作品分析

俄罗斯著名的浪漫宗主演员和指挥家拉赫马尼诺夫（1873-1943）在年轻时也以双重音乐家和作曲家的双重身份活跃在音乐中。作为钢琴演奏家拉赫玛尼诺夫举行了无数场钢琴独奏音乐会,内容涉及自己和别人的各种钢琴作品,他的演奏技巧精湛,具有深刻的表现力和感染力,尤其是演奏他自己的作品更为突出,并且给后人留下了一部分重要、宝贵的唱片资料,是俄罗斯钢琴学派的代表人物。作为杰出的浪漫主义钢琴音乐作曲家,他继承了肖邦、李斯特、舒曼、勃拉姆斯的传统,把精湛的钢琴演奏技巧与浓郁的俄罗斯民间音乐风格融为一体,以其富于想象的优美旋律、丰富饱满的和声、鲜明的作品形象、扣人心弦的独特音乐效果,表现出独到的音乐才华。写出了独具风格、影响深远的浪漫主义钢琴音乐,取得了辉煌的成就,拉赫玛尼诺夫的作品至今还是大多数钢琴家乐于演奏的“走红”曲目,是钢琴音乐宝库中不可缺少的一个重要部分。拉赫玛尼诺夫的作品集柴科夫斯基优美旋律、和声大师穆索尔斯基以及配器大师里姆斯基·科萨可夫等的特色于一身。由于社会的动荡,他在1917年应邀前往瑞典演出,离开了俄罗斯,从此一直旅居国外。但这并不影响他的创作,如《d小调第三交响曲》、《帕格尼尼主题狂想曲》被称为是浪漫主义钢琴协奏曲的总结。他让乐队的交响性与钢琴的浑厚复杂织体交相辉映,使得钢琴协奏曲这一形式的音响效果达到了最饱满的状态。也是所有协奏曲中技术难度最高的作品之一,成为流传百世的优秀之作。拉赫玛尼诺夫的音乐外表上看起来是世界性的,但它却总是与俄罗斯的“心灵”息息相通,俄罗斯的文学、历史,以及民族性中宽广、苍凉而庄严的胸怀,尤其是那些永远在人民中流传的丰富多彩的民谣,纯朴浓郁的歌调,都融入在拉赫玛尼诺夫音乐作品中,无论是他1917年前的作品,还是在国外的晚期创作,都渗透着浓郁的俄罗斯民族独特的风格。拉赫玛尼诺夫在音乐作品中对自己的祖国和人民灌注了巨大的热情,他一生的作品都表现出对俄罗斯民族民间音乐的强烈兴趣和无比热爱,并以其特殊的民族情结、民族情感等方式触动着俄罗斯人的心。虽然他的作品有着很强的俄罗斯音乐特性,但对于全世界的乐迷们来说同样充满了吸引力,所以他的作品并无年代之分,只有体裁之别。一、《夏,分解和弦》第一乐章为统领、并发展了两个远关系调拉赫玛尼诺夫的重要钢琴作品包括十八首《音画练习曲》(主要是Op33、Op39中的作品),四首钢琴协奏曲和《帕格尼尼主题狂想曲》等。他的十八首《音画练习曲》形象生动鲜明,充满着诗意。他的技巧艰深,钢琴语言丰富,不论在钢琴织体上还是在和声复调的运用上都很讲究,继肖邦、李斯特后,与德彪西、斯克里亚宾一起成为20世纪初最重要的钢琴练习曲作者。1911年夏末,拉赫玛尼诺夫开始写了一套六首新的钢琴乐曲,标题是《练习曲———音画》(Op33)。一般记载中,都认为这部作品是作曲家受到绘画的鼓舞而写的,而作曲家本人却说:“我不相信艺术家能充分揭示出他的种种想象。让他们为自己画出最能表达他们联想的画吧。”拉赫玛尼诺夫创作的这几首作品显然是对他童年情景的描绘,同时也是为了让他的两个孩子欣赏。实际上,“这些练习曲形象生动,意境深远。六首练习曲有四首是小调,两首大调。其中第五首g小调是一首深情婉转的无词歌”。此曲是带再现的单三部曲式,中段是对比性中段(是与前后段完全不同的材料),采用g小调的分解主和弦作为全曲的引子。这个引子用行板的速度轻轻奏出,再加上伤感而幽暗下行,四度音阶为主的主题,使得这首曲子从开始就确立了调性以及乐曲情绪的基调。接着主题经过几次节奏变化及反复,时而叹息,时而充满幻想,一次又一次的巧妙深化,不断把音乐推向高潮。中段以32分音符为主导,以g小调级进下行音阶为主要支柱,代表其内心世界充满的无穷力量在蓄势待发,最后确立在强有力的升c小调的主和弦上,然后c小调主和弦的分解琶音紧接而上,接下来的休止符是一种寂静,此时的休止符显得非常安静,但它并不是代表结束,反而是思想的继续往前走,也代表了作曲家此时的思索。曲子又是怎样回到g小调的呢?作曲家巧妙地在两个远关系调之间运用了两个连接句作为衔接,使得曲子的转调是那样的自然、顺畅。于是叹息的主题又出现了,幻想也出现了,而不同的是这个主题变得越来越坚定,越来越强大,最后以奔流而泻的快速音阶与激奋的热情,在柔和、余音较多、寓意深远的主和弦中给全曲画上了完美的句号。练习曲第一小节进入的是作为全曲背景色调的低声部,此声部贯穿始终,为全曲的和声起着引导和支柱的作用,但是每次出现的十六分休止符似乎淡化了和声的力量。这是将分解和弦减弱,是和声旋律化所致。同时突出了落在正拍上的主旋律,让人感觉低声部似不经意的、情不自禁的声声叹息。这就证明一段分解和弦只有在正拍上,和弦才能体现和声的感觉,作曲家将和声伴奏声部写出如此意境,可见其写作技巧之高。主题从第二小节开始,开头的主题以连续半音下行的那不勒斯二度(降a)主音(g)和导音(升f)为基调,吐露出充满哀愁的肺腑之音。由于降a是g小调的二级,那么那不勒斯二度下行就是使二级与一级形成倾向性很强的小二度,以小二度为基本点,作曲家的思维得以顺延,内心感情得以舒展,可以看出作曲家的和声技能之优秀,轻而易举的运用在作曲构思上。主题穿梭在高低音区,错落有致,相映成趣,中间经历着忧伤、激动等感情飞跃,全曲共有三个“ff”,而中段就出现过两次“ff”,并且是在导音和升C小调和声上,意味着情绪矛盾激化,可是作者却紧跟着两拍休止符就过渡成了另一种情绪。能在短短两小节内就做到意境和力度的大起大落,这一切得归功于作曲家的写作功底。再回归主题时,哀伤的情绪变得更为深沉,第43小节力度的起伏掀起了作品的最后一丝涟漪。二、声乐的控制dim与别的炫技性练习曲不一样,这首练习曲强调优美的音色,也就是弹下后不做渐强cresc,和渐弱dim,而靠声音的振动和所产生的余音。除此之外,声部的层次和走向也非常重要,要在钢琴上弹奏出柔美连贯的声音,首先要树立好的声音标准,用不同的触键方式细微的触键技巧及踏板的用法来调节好音色的变化。而这些触键技巧和踏板的用法应根据声部的层次以及对作品风格的全面了解而进行不同的处理。1.采用低分化的处理低声部不但轻柔,更要与主旋律相呼应,并且借助种种力度的变化来烘托主题,如第39小节。由于采用低声部左手弹奏主旋律,这样就增加了左手的技术难度,弹奏时应突出主旋律并用不同的触键方式,包括指尖触键、想像贴键手指的音质等,运用触键深度的不同来调节好及音色的变化,弹奏出非常连贯、柔和、抒情的旋律,如在第4、5小节,就需要以这一方法来处理。2.声音的弹性主旋律一进入就用“mf”的力度,但又不能弹得太僵硬,要用柔韧的手腕弹奏出有弹性的声音来,使声音具有歌唱性。除此之外,声音还要有磁性、要动听、能感动人,让听者体会到作者的情绪。要使声音清晰,就需要更多地运用手臂和肩部的力量放松的推下去。主旋律层次变化,在不同声部做好强弱对比,既让人知道它们是同一种音色,又让人听出声音不是一成不变的,能感受到它的走向。指尖与键盘的关系最为重要———轻滑、推摸、敲击等都会弹出不同的音色。当主旋律再次出现时,弹主题的手指要把每个音抓住,指尖要更坚定而连贯,如第8小节。3.种逸事音法在弹奏时要突出左手的旋律根音,要用一种坚定、深厚的方式触键;另外的32分音符用一种飘逸的音色。弹奏时要将手腕、手臂及全身的重量,通过肩膀、手臂放松地送到指尖,保持指尖垂直就能发出第30小节“ff”结实、浑厚、有震撼力的声音。4.发挥提取精神它们并无内容和思想,仅仅是对乐曲起到画龙点睛的作用,触键也不一样,如第32~35小节,在需要演奏者在触键上格外注意处理手法的运用。5.用带续音的带音板作为技巧之一踏板被人们称为钢琴的灵魂,而浪漫主义时期的钢琴音乐更是极大地发掘了踏板的音色变化可能性。作为音色变化的重要手段之一,踏板的使用也更复杂、更精细,因此在这首作品里如何使用踏板也成为一个最困难的技巧之一。既要照顾背景声部的持续进行,以达到飘渺、朦胧的效果,又得保持主旋律的清晰,这时就可使用持续音踏板,以保证连绵发音。需要注意的是,在低音区的主旋律不得与低声部混淆。而对中段的32分音符应灵活处理———如手上更粘连些,也就是更连贯些,则可少用一些踏板用,或用一点碎踏板;如手上粘连性不够,就要多用踏板,可以采用浅踏板,也就是不把踏板踩到底,而只踩到二分之一、三分之二、四分之三等不同深度。而对于第30、31小节的休止符,应根据演奏者对乐曲的理解去决定踏板停留的长短。6.演奏者要具有足够的技术能力乐器演奏是作品的二度创作,所以,理解它总的乐思特别重要,在演奏前必须了解作曲家创作的音乐背景与基本构思。通过对作品创作背景的研究,揭开作曲家创作时的灵魂状态,探知他的所思、所求、所感,只有当演奏者的心态尽可能地接近了作曲家的心态,他才能“刹那间”领悟到作品的真谛,并且用恰当的方式表现出来。当然,克服技术难点、正确的分